Узрите свет

Южноафриканский художник Дэниел Поппер (Daniel Popper), известный своими масштабными фигуративными скульптурами, создал свое новое произведение «Ven a la Luz» («Узрите свет»), которое представил в рамках фестиваля искусств и культуры в Тулуме (Мексика). Инсталляция, сделанная из древесины и веревок, изображает верхнюю часть женской фигуры, чья грудная клетка сформирована в форме арки, заполненной изнутри пышными зелеными растениями. В вечернее время в живых зарослях светятся электрические фонарики, и скульптура, установленная прямо на песке, превращается в беседку для зрителей. Сейчас, после завершения инаугурационного фестиваля «Art With Me», скульптура будет постоянно находиться на курорте Ахау Тулум. Поскольку популярность Тулума среди туристов в последнее время резко возросла, выросли и инвестиции в развитие культуры и отдыха в этом районе. В частности, семья Гугенхайм выстроила здесь художественную галерею, в оформлении которой прослеживается такой же «деревенский», криволинейный стиль, как и во многих скульптурах Дэниела Поппера. С другими работами этого интересного автора вы можете познакомиться на сайте художника, или в его Инстаграме.

Скульптура Дэниела Поппера Continue reading

Posted in Скульптура | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Pref

Британский художник Pref уже более двадцати лет бросает вызов устоявшейся эстетике граффити, применяя в своих работах правила типографики и эффекты трехмерного пространства, чтобы придать нарисованному тексту более доступный вид. Сначала он много работал с отрицательным пространством между словами, которое со временем превратилось в отдельные буквы и фразы, а с 2010 года сделал комбинированные тексты своим фирменным стилем. В 3D-граффити художник обычно используют всего несколько слов, помещенных одно внутри другого. Как видите, эти настенные «логотипы» нередко приобретают новые визуальные и смысловые перспективы за счет изящной композиции и умелой игры символов.

граффити британского художника Pref Continue reading

Posted in Стрит-арт | Tagged , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Как подделки приносят деньги и славу

Рекомендую любопытную статью в «Коммерсанте», в которой подробно растолковано, каким образом подделки произведений искусства приносят мошенникам деньги и славу. В материале немного рассказано о самых знаменитых изготовителях подделок: художнике Элмире де Хори, известном арт-дилере Фернане Легросе, изготовителе «Вермееров» Хане ван Мегерене, немецком подделывателе фресок Лотаре Мальскате, имитаторе Эрике Хебборне, шутнике Томе Китинге, изготовителе «импрессионистов» Джоне Майатте и фальсификаторе «Дюреров» Вольфганге Бельтракки.

Известный имитатор Джон Майатт,  Фото: Shutterstock / REX / Fotodom

Известный имитатор Джон Майатт умудрялся писать картины импрессионистов акриловыми красками! Фото: Shutterstock / REX / Fotodom.

Главный вывод статьи состоит в том, что сегодня почти невозможно определить, какие из произведений искусства, висящие в картинных галереях и музеях, выставляемые на аукционах, настоящие, а какие − фальшивки или копии. Десятки имитаторов были пойманы или сдались сами, но сотни и тысячи продолжают неустанно трудиться, чтобы заполнить коллекции музеев и частных собраний все новыми «шедеврами» Пикассо, Поллока, Ван Гога, Ренуара, Модильяни и т.д. Как утверждает консультант по современному искусству Уэнди Голдсмит: «На рынке произведений искусств нет правил. Он напоминает минное поле»…

Posted in Плагиат | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

«Лестница в небеса» по-японски

Японские музыканты сделали адаптацию известной композиции Led Zeppelin «Stairway To Heaven» для своих традиционных инструментов: цитры кото и продольных бамбуковых флейт сякухати. Исполняют: Кейко Хисамото − двадцатиструнный кото, Масако Ватанабэ − семнадцатиструнный кото, Хирому Мотонага и Кизан Кавамура − сякухати. Аранжировка: Хирому Мотонага.

Posted in Музыка | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Zihee Tattoo

Среди множества работ южнокорейской тату-художницы Zihee Tattoo встречаются и миниатюрные интерпретации шедевров мирового изобразительного искусства. На страницах ее портфолио в Инстаграме представлены фрагменты картин Эдварда Хоппера, Леонардо да Винчи, Пабло Пикассо, Густава Климта, Рене Магритта, Клода Моне, Андреаса Цорна, Винсента Ван Гога, Эдгара Дега и других мастеров. Работы Zihee Tattoo напоминают тонкие акварельные миниатюры с невероятной детализацией, вписанные в минималистичные геометрические формы. Наряду с живописными иллюстрациями, художница создает и вполне традиционные цветные татуировки с природной, растительной и предметно-символической тематикой.

Continue reading

Posted in Боди-арт | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Николай Богданов-Бельский

Имя русского художника Николая Петровича Богданова-Бельского (1868-1945) ныне подзабыто, хотя некоторые из его работ считаются хрестоматийными: «Новая сказка» (1891), «Воскресное чтение в сельской школе» (1895), «Устный счет» (1895), «У постели больного учителя» (1897). Его принято называть «певцом» деревенского быта, но при этом он еще и замечательный портретист, мастер жанровой композиции. Богданов-Бельский был внебрачным сыном батрачки из деревни Шитики Бельского уезда Смоленской губернии. Учился в церковно-приходской школе, затем в школе С. А. Рачинского в селе Татеве. В 1882 году Рачинский отдал мальчика в иконописную мастерскую Троице-Сергиевой лавры, а в 1884 году отправил учиться в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Здесь наставниками художника стали известные педагоги В. Е. Маковский, В. Д. Поленов, И. М. Прянишников. В 1894-1895 годах Богданов-Бельский совершенствовал мастерство живописи в Императорской Академии художеств у И. Е. Репина, потом уехал в Париж, где посещал студии Ф. Коларосси, Ф. Кормона. Работал в Мюнхене и в Италии. В 1903 году Николай Петрович окончил Академию, в 1905 году ему было присвоено звание академика, а в 1914 он стал действительным членом Академии художеств. Живописец постоянно посещал село Островно на берегу озера Удомля, где жил и работал в имении местного помещика Ушакова. С 1895 года был членом общества передвижников, затем одним из основателей и председателем общества имени Куинджи. В 1920 году Богданов-Бельский уехал в Петроград, а затем в Латвию. Эмигрировать за границу художника убедила жена. Уезжал он налегке, оставив большую часть своих вещей и картин на хранение местным жителям. Верил ли в свое возвращение сам Николай Петрович, сегодня сказать трудно, но причины, побудившие его оставить Россию были, вероятно, гораздо более существенными, чем уговоры супруги. В эмиграции он продолжал писать портреты и жанровые картины. Во время Великой Отечественной войны находился на оккупированной немцами территории Латвии. Умер Богданов-Бельский 19 февраля 1945 года в Берлине, похоронен на русском православном кладбище Берлин-Тегель («Russischer Friedhof Berlin-Tegel»). В работах «крестьянского» цикла Богданова-Бельского чувствуется доброта и жизнелюбие. Не случайно, будучи уже известным художником, Николай Петрович получил письмо от одной учительницы: «Вы у нас один! Писать детей умеют многие художники, писать в защиту детей умеете только вы». И кстати, обратите внимание, начиная с первого десятилетия XX века в живописи мастера прослеживается явное влияние импрессионистов.

01-Н. П. Богданов-Бельский_Новая сказка. 1891 Continue reading

Posted in Живопись | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Бостонский таунхаус

Очень понравился проект лестницы для бостонского таунхауса, разработанный нью-йоркским архитектурным бюро «Steven Harris Architects LLP». Изящное решение.

Boston townhouse by Steven Harris Architects. Фото: Scott Frances / Steven Harris ArchitectsBoston townhouse by Steven Harris Architects. Фото: Scott Frances / Steven Harris Architects

А вот ванная комната с ее кубическими формами и прямыми углами совсем не понравилась. Видимо авторы такого решения никогда в ванной не падали. :-)

Boston townhouse by Steven Harris Architects. Фото: Scott Frances / Steven Harris Architects

Все фото: © Scott Frances / © Steven Harris Architects. Источник.
Posted in Архитектура | Tagged , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Критерии успешного музея

Сегодня принято оценивать крутизну музея по количеству посетителей или сумме доходов, получаемых от выставочных проектов. В этой связи достаточно вспомнить экспозиции В. Серова и И. Айвазовского в Третьяковке, на которые выстраивались километровые очереди. Хорошо это или плохо? Правы ли «эффективные менеджеры» от департамента культуры, спускающие руководителям музеев план «сверху»? Каковы критерии успешного музея? На эти вопросы отвечает директор Эрмитажа, ученый и искусствовед Михаил Борисович Пиотровский:

«Нельзя относиться к музею или заповеднику как к торгово-развлекательному центру. Мы существуем вовсе не для того, чтобы развлекать. Прежде всего мы существуем, чтобы сохранить те ценности, которые нам доверены. Сохранить и передать их будущим поколениям в неприкосновенности. Нам удалось сохранить наши сокровища даже в самые трудные дни конца восьмидесятых, начала девяностых. Но вот теперь, в рыночных обстоятельствах, пресловутые «сержанты» от культуры (чиновники средней руки, возглавляющие различные департаменты и направления работы министерства культуры, прим. В.Д.) все настойчивей начинают говорить нам: у вас в запасниках пылятся множество невостребованных произведений искусства, давайте выставлять их на рынок, передавать частным музеям. У каждого музея, у каждого заповедника существуют пределы посещаемости. К примеру, мы знаем, что в главном корпусе Эрмитажа могут единовременно находиться не более семи тысяч человек. А в год мы можем принять не более пяти миллионов посетителей. Если эти цифры станут регулярно завышаться, музей начнет деградировать. К примеру, Эрмитаж зарабатывает в год десять-двенадцать миллионов долларов. Это прямое следствие изобретательности, креативности и высочайшей компетентности наших сотрудников. Но планировать заработки музея сверху − недопустимо. Потому что, опять-таки, нельзя превращать музей в дойную корову. Он не для этого.

Михаил Пиотровский, фото РИА Новости Continue reading

Posted in Коллекция | Tagged , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Говорит Чуйков

Из цикла «Художник говорит».

«Когда я учился в Суриковском институте, самым важным в картине считалось «что», то есть сюжет. В противостоянии этому родилась идея того, что важно не «что», а «как». Красоте мы учились у западного искусства − в моем случае я ориентировался на Сезанна, «голубого» и «розового» Пикассо, Модильяни. Я мог небольшую картинку писать месяцами, я должен был попробовать все варианты цвета и фактуры − это выродилось в маньеризм. При этом я очень оберегал себя, старался ни на кого не походить. И это была ловушка. Потому что опасаться влияний − это значит никуда не двигаться. И вдруг я понял, что писать так нельзя, и четко для себя сформулировал: никакой деформации, никаких произвольных цветов. Я начал пытаться делать объемные вещи, но в этих первых работах с иллюзией пространства объем не работал − должна была быть плоскость как точка отсчета, чтобы объем заработал, а цвет должен быть элементарный, органичный − небо голубое, трава зеленая. Главной для меня стала идея простоты, то есть прочь изыски оттенков, фактуры и т. д., так, чтобы на уровне исполнения это мог сделать любой. Я намеренно поставил себя в жесткие рамки, и они оказались спасением. Именно в этот момент я почувствовал себя свободным и начал писать быстро и много. Cейчас для меня красота − это чисто, самым простым и коротким путем решенная задача. Как в математике. Если задача принципиальная и важная, а решение минимально и убедительно, то это и красиво, причем для всех.

В 1968 году я был в гостях у приятеля и, уходя, увидел сложенные на лестнице старые оконные рамы. Я прихватил парочку и потом сделал из них две работы. Первое «окно» было написано в стилистике манерной и сюрреалистической: в каждой створке пейзаж − морской, с деревьями и зимний. А следующее «окно» ознаменовало переломный момент в том, что я делаю. Я как бы наложил на оконную раму пейзаж Айвазовского. Мне тогда и в голову не приходило, что я работаю с теорией Альберти − картина как окно в мир. Эти слова Альберти вспомнились позже. Сначала появляется образ, я его воплощаю, а потом начинаю рефлексировать и нахожу ему объяснение. Совместив картину − окно в мир и настоящее окно, − я столкнул реальность и иллюзию. Но при этом настоящей иллюзией является окно − оно приглашает войти, а живопись не пускает. То есть картина отнюдь не окно в мир, и уж, во всяком случае, не только.

«Портрет Ивана Чуйкова» из серии «Стационарная галерея русских художников» (1981), кисти Игоря Макаревича. Техника: оконная рама, фанера, масло. Рядом: Иван Чуйков. Фото: Игорь Макаревич, Галерея Courtesy XL. Continue reading

Posted in Художник говорит | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Блудный сын

Рай Кудер с вечерним блюзом «The Prodigal Son».

Posted in Музыка | Tagged , , , , , , , | Leave a comment