Константин Кузнецов. Неизвестный импрессионист

4 февраля в Третьяковской галерее начнет работу ретроспективная выставка художника Константина Кузнецова (1863–1936). Для российского зрителя − это открытие нового имени, первая масштабная экспозиция произведений «русского парижанина», единственного из отечественных живописцев, кто органично влился в традицию французского импрессионизма и постимпрессионизма.

01-Константин Кузнецов_Бретонские рыбаки. Конкарно. 1900-1902

Ретроспективу Константина Кузнецова в Третьяковской галерее удалось собрать благодаря необычной судьбе автора. Переехав во Францию, художник долгое время располагал средствами от семейного капитала, которые позволяли ему не продавать работы. Он предпочитал не сотрудничать с галеристами и, по воспоминаниям дочери, даже отказался заключить контракт с прославленным Амбруазом Волларом. Когда в 1936 году художник скончался, почти все его полотна сохранились в парижской мастерской на улице Буассонад. Они пролежали более ста лет в ожидании своего часа, бережно передаваемые из поколения в поколение потомками живописца. Несколько лет назад российские специалисты проводили архивные и искусствоведческие исследования и познакомились с правнучками художника. В их апартаментах они обнаружили огромное собрание картин Кузнецова, которое в настоящее время представлено на выставке в Третьяковской галерее.

02-Константин Кузнецов_Автопортрет с сыновьями Михаилом и Александром, 1918

Художник Константин Кузнецов (1863–1936)Биографическая справка. Константин Павлович Кузнецов родился в 1863 году в селе Желнино Нижегородской губернии. Происходил из состоятельной купеческой семьи. Получил хорошее домашнее образование, играл на фортепиано и флейте, самостоятельно начал заниматься живописью и рисунком, подражая живописи Исаака Левитана и Ивана Шишкина. Около 1892 года поступил в художественную студию при Академии изящных искусств в Саратове, где познакомился с Виктором Борисовым-Мусатовым. В 1896 году совершил длительную поездку по Европе. В 1897 и 1899 годах занимался в мастерской Фернана Кормона в Париже. В 1900 году женился на москвичке Александре Самодуровой и вскоре переехал с ней в Париж. После эмиграции Константин Кузнецов на родину больше не возвращался, хотя до конца жизни не менял гражданства. Супруги увлеклись импрессионизмом, в особенности творчеством Клода Моне и Камиля Писсарро. (Жена тоже занималась живописью, посещала академию Родольфа Жюлиана). Молодая семья жила сначала на Монмартре, а с 1907 года − на Монпарнасе. Тем не менее, работая во Франции Константин Кузнецов участвовал в выставках Московского товарищества художников в Москве и Петербурге. Последний раз его произведения экспонировались в Москве в 1909 году.

03-Константин Кузнецов_Остров Бель-Иль, 1913

Сначала художник работал преимущественно в постимпрессионистической манере, писал мотивы Парижа и окрестностей, морские пейзажи Бретани и Нормандии. В 1900-х годах работал в Барбизоне. После 1927 года он уже не покидал Парижа, писал большей частью берега Сены. Зимой работал в мастерской над декоративными полотнами и портретами. Постепенно Константин Кузнецов отходит от традиций импрессионизма; его краски становятся более жидкими, мазок резче и размашистее, палитра темнеет, а свет его полотен делается контрастнее. К концу жизни художник достиг исключительной передачи света, добился оригинальной, одному ему присущей манеры письма. Французские критики, оценивая его достижения, называли Кузнецова «последним рыцарем импрессионизма»: от этого направления в его творчестве остались пленэризм, спонтанность, чувственность восприятия, стремление к передаче неповторимости момента.

04-Константин Кузнецов_Площадь Согласия в Париже, 1920-е

Во Франции Константин Кузнецов стал постоянным участником «Салона национального общества изящных искусств», «Осеннего салона» и «Салона независимых». В России и за рубежом его картины выставлялись наряду с произведениями Анри Матисса, Виктора Борисова-Мусатова, Василия Кандинского, Михаила Ларионова, Пьера Боннара, Мориса Дени. После смерти Костантина Кузнецова в Париже проходили ретроспективные выставки его работ − в 1937-м, 1964-м, 1965-м и 1966-м годах. Произведения художника находятся во многих музейных собраниях, в том числе в Третьяковской галерее, Русском музее, музее Орсе, музее Карнавале в Париже, музее изящных искусств Кемпера, музее Эжена Будена в Онфлёре, музее Понт-Авена, муниципальном музее Гааги.

05-Константин Кузнецов_Сосны и яблони в Керфани, 1921

Выставка в Государственной Третьяковской галерее будет работать с 4 февраля по 14 марта 2021 года по адресу: Москва, Лаврушинский переулок, д. 12, Инженерный корпус, 3-й этаж. Все фото: © Фонд Константина Кузнецова /  © ГТГ (2021).

Posted in Выставки, Живопись | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Два архитектурных шедевра Мексики

Путешественник и поклонник искусства Марио Яир (Mario Yaír) сделал эти снимки во время своей недавней поездки по Мексике. Из более чем двух десятков фотографий памятников архитектуры, сделанных Марио, я выбрал два наиболее показательных объекта. Каждый из них отражает свое время − уходящий XIX век с его смешением стилей и квинтэссенцию поисков деконструктивистов XX века. Но любое из этих зданий по-своему прекрасно.  Фото: © Mario Yaír T.S. (2021).

Храм Сан-Антонио-де-Падуя, фото - Mario Yaír

Храм Сан-Антонио-де-Падуя (Templo de San Antonio de Padua) был заложен 4 октября 1895 года. Закончен в 1908 году. Это самая знаменитая работа мексиканского архитектора Хосе Рефугио Рейеса Риваса (Jose Refugio Reyes Rivas) и один из символов Агуаскальентеса. Храм считается шедевром эклектики не только из-за смешения стилей, но и из-за различных временных периодов, отразившихся в его архитектуре: неоклассцизма XIX века и стального купола XX века.

Дом в воздухе, фото  - Mario Yaír

Замечательный образец авангарда от мексиканского архитектора и скульптора Агустина Эрнандеса (Agustin Hernandez Navarro) − «Дом в воздухе» («Casa en el aire») в Мехико. Здание построено в 1991 году и выглядит как гигантский корабль, выходящий из футуристического порта в небе.

Posted in Архитектура, Фотография | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Умер Василий Лановой

На 88-м году жизни скончался выдающийся советский и российский актер, педагог, народный артист СССР Василий Семенович Лановой.

Василий Лановой, фото: © РИА Новости / Владимир Федоренко

С 1957 по 2021 годы Василий Лановой служил в Государственном академическом театре имени Е. Вахтангова, где исполнил более пятидесяти ролей. В кино он запомнился такими картинами, как «Алые паруса» (1961), «Коллеги» (1962), «Иду на грозу» (1965), «Война и мир» (1965-1966), «Анна Каренина» (1967), «Пароль не нужен» (1967), «Офицеры» (1971), «Пятьдесят на пятьдесят» (1972), «Семнадцать мгновений весны» (1973), «Дни Турбиных» (1976), «Огарева, 6» (1980), «Петровка, 38» (1980), «Приступить к ликвидации» (1983), «Черный квадрат» (1992) и многих других. С 1985 года Василий Семенович преподавал на кафедре сценической речи в Театральном институте имени Б. Щукина. С 1995 года был профессором и заведующим этой кафедрой. Скончался 28 января 2021 года в Москве от осложнений, вызванных COVID-19. Вечная память замечательному актеру!

Фото: © РИА Новости / © Владимир Федоренко.
Posted in Кино, Театр | Tagged , , , , , , , , , , | Leave a comment

Толерантная колода карт

Борьба за равенство полов и рас коснулась даже настольных игр. Дизайнер из Нидерландов Инди Меллинк (Indy Mellink) заметила, что в традиционной колоде карт короли ценятся больше, чем дамы, а дамы стоят больше, чем валеты. Девушка решила исправить эту иерархию, предложив общеизвестную (по спортивным соревнованиям) систему ранжирования. Пронумерованные карты остались такими же как и были, а изображения короля, дамы и валета Инди заменила на символы: Gold (Золото) − золотые слитки, Silver (Серебро) − серебряные монеты и Bronze (Бронза) − бронзовый щит. Меллинк сама разработала оформление новых карт и заказала для тестирования четыре колоды. «Я хотела бы подчеркнуть, что никогда не собиралась поляризировать людей или обвинять их в сексистских или расистских взглядах. Мама воспитывала меня, чтобы я была открытым человеком и всегда рассматривала варианты. Вот почему я придумала эти карты. Чтобы дать людям выбор» − комментирует автор.

Гендерно-нейтральные карты были выпущены под маркой «GSB Playing Cards» и практически сразу сразу стали популярными. Инди Меллинк призналась: «Мои друзья и родственники полюбили их настолько, что им тоже понадобилась пара колод. Так что я заказала для продажи новую партию из примерно пятидесяти штук, и она начала так стремительно расходиться, что я заказала партию из пятисот колод, а затем и остальные продажи начали расти как снежный ком». В итоге, дизайнеру удалось за месяц реализовать 1500 комплектов. Их раскупили жители Бельгии, Франции, Германии и США. Глава нидерландской федерации бриджа Берит Ван Доббенбург одобрила идею Меллинк, но отметила, что такое нововведение едва ли приживется в скором времени, поскольку потребует изменения правил карточных игр. Все фото: © GSB Playing Cards / Indyozie.

Continue reading

Posted in Вино и домино | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Говорит Дельвуа

Из цикла «Художник говорит».

«Многие люди в мире даже не знают моего имени, но они слышали про «того сумасшедшего парня», который создал машину, которая производит экскременты. Они даже не в курсе, что я сделал десять таких машин. Они не знают, что я выставлялся в Лувре. Но даже если им незнакомо мое имя, я все равно остаюсь кем-то вроде городской легенды. Моя автобиография могла бы называться «Другая ложь» («Another Lie»). Но с другой стороны, я бы не стал писать свою биографию. Мне это не нужно. Чаще всего люди пишут автобиографии за тем, чтобы оправдать то, что они сделали в своей жизни. А я не хочу защищать себя. Когда ты создаешь «Клоаку» или татуируешь свиней, всегда найдутся люди, которым это не понравится. Я не собираюсь сводить счеты или оправдываться.

Я сделал большой проект, где на свиней наносят татуировки, но на моем теле татуировок нет. Я же не свинья. В мире тату я − турист. Татуировки могут отражать какие-то традиции, тогда это интересно. Но мне не нравится боль, и я не понимаю тех, кто испытывает удовольствие от процесса. Странно осознавать, что эта картинка будет всегда на твоем теле. Даже если бы мне предложили набить такую картину, как «Мона Лиза», у себя на спине − я бы не стал этого делать. Потому что она недостаточно хороша, чтобы остаться навсегда.

Wim Delvoye, photo: © DVH

У многих художников есть романтичная идея о том, что люди умирают − а произведения искусства якобы остаются в вечности. Я не уверен в этом. Может быть, кое-что из них останется, но перестанет быть предметом искусства, превратится в загадочный объект из прошлого, чем-то сродни археологическому. Я думаю, жизнь предмета искусства в принципе довольно специфична − это вызывающий артефакт современности, который потом становится символом статуса, а затем вдруг по совсем другим причинам объявляется предметом культурного наследия или национальной гордости. Continue reading

Posted in Художник говорит | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Иконографический беспредел

Издательство «Бомбора» выпустило в свет интересную книгу культуролога Сергея Олеговича Зотова «Иконографический беспредел. Необычное в православной иконе». Рекомендую всем интересующимся искусством.

Сергей Зотов_Иконографический беспределИз аннотации к изданию: «Иконографический беспредел» − книга о том, как появились самые необычные сюжеты русской иконы и что они на самом деле означают. Она расскажет о шестируком Христе, православном кентавре и голубе с четырьмя головами. Вы погрузитесь в мистические образы, где человеческая жизнь представлена как лабиринт, из распятия прорастают таинственные руки, а на зрителя глядит множество глаз. Увидите жестокие сцены, в которых святые и даже сам Иисус берут в руки оружие. Поймете, как на сакральных изображениях появились ноутбуки, футбольные мячи и ядерные реакторы.

Вместе с автором вы разгадаете смысл загадочных аллегорий, совершите экскурсы в богословие и мировую историю, узнаете о самых невероятных русских заговорах и поверьях, увидите редчайшие иконы, доступные до этого только специалистам. Но главное – после прочтения этой книги привычная культура и история раскроется перед вами с совершенно новой и неизвестной стороны.

Сергей Зотов − культурный антрополог, лауреат премии «Просветитель» за книгу «Страдающее Средневековье. Парадоксы христианской иконографии», докторант Уорикского университета (Великобритания)».

Выходные данные: Зотов Сергей Олегович, «Иконографический беспредел. Необычное в православной иконе», издательство «Бомбора», 2020 год, 368 стр, твердый переплет, общий тираж 4000 экз., ISBN: 978-5-04-108621-3.

Posted in Книги | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

Старик в маске

Как видно, пандемия влияет даже на мастеров-кукольников. Домохозяйка Тоби Кинг (Tobey Perales King) из штата Вашингтон с 2012 года увлекается вязанием детских вещей и игрушек из шерсти. В 2016 году она научилась делать забавных кукол, основой для которых послужила внешность известных американских общественных деятелей: Дональда Трампа, Берни Сандерса, Теда Круза и Хиллари Клинтон. (Не знаю, наверное в США куклы-политики пользуются спросом во время предвыборных кампаний). Позже Тоби создала собственный интернет-магазин «Tobey Time Crochet», через который реализует свои изделия. С работами художницы вы также можете познакомиться в ее Инстаграме.

Bernie's Mittens Crochet Doll

Вязанная крючком кукла на фото изображает сенатора от штата Вермонт Берни Сандерса − 79-летнего независимого политика и общественного деятеля левого толка. Его образ уж стал мемом в Интернете. Поэтому, куклу я рассматриваю просто как образ милого старичка в варежках и медицинской маске. Как символ нашего времени, в каком-то роде… Фото: @tobeytimecrochet (2021).

Posted in Куклы | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Вибрафонист Гэри Бёртон

23 января 1943 года родился выдающийся американский джазовый вибрафонист, композитор и аранжировщик Гэри Бёртон (Gary Burton).

Gary Burton at the Berklee Performance Center, photo: Phil Farnsworth

Краткая справка. В 1960–1961 годах Гэри Бёртон учился в музыкальном колледже Беркли в Бостоне. В 1960 году выступал в Нэшвилле в ансамбле, играющем в стиле кантри. Позже увлекся джазом, с 1962 по 1965 год выступал в ансамблях Джорджа Ширинга и Стэна Гетца. В 1967 году собрал собственный квартет с Ларри Корриэлом (гитара), Стивом Своллоу (бас-гитара) и Бобом Моузесом (ударные). В начале семидесятых выступал как с сольными проектами, так и в дуэтах с Китом Джарреттом, Стивом Своллоу, Чиком Кориа, Ральфом Таунером. В 1971–2004 годы преподавал в колледже Беркли. Известен как первооткрыватель молодых талантов − благодаря ему мир узнал о пианисте Макото Озоне и саксофонисте Томми Смите. В девяностые годы сотрудничал с Пэтом Мэтини, Дэйвом Холландом, Чиком Кориа и другими музыкантами. Несколько раз приезжал с концертами в СССР и Россию, в последний раз − в апреле 2011 года вместе с Чиком Кориа.

Предваряя выступление квартета Бёртона в Москве, джазовый комментатор «Голоса Америки» Уиллис Коновер сказал: «Есть пять великих вибрафонистов − Рэд Норво, Лайонел Хэмптон, Милт Джексон, Бобби Хатчисон и Гэри Бёртон!». Но Бёртон первым из этой пятерки начал играть на вибрафоне четырьмя палочками, объясняя это тем, что в молодости в своем родном городе он не мог найти партнеров и вынужден был исполнять и мелодию, и гармонический аккомпанемент.

На видео выступление Гэри Бёртона в дуэте с гитаристом Джулианом Лэйджем (Julian Lage). Музыканты исполнили три композиции «Out Of The Woods», «Remembering Tano» и «The Tiny Desk Blues». Фото: © Phil Farnsworth / © Berklee Performance Center.

Posted in Весь этот джаз | Tagged , , , , , , , , , , | Leave a comment

Ажурные самосвалы Вима Дельвуа

Забавна сама идея совместить ажурную роскошь готической архитектуры и такую приземленную материю, как строительная техника. Однако, в подобном синтезе присутствует и вызов и поэзия. Перед нами работы бельгийского художника-концептуалиста Вима Дельвуа (Wim Delvoye). Я написал заметку о его резных автопокрышках лет восемь назад, и вот, как и обещал, возвращаюсь к его творчеству. Скульптуры Дельвуа «Бульдозер», «Самосвал» и «Крученый самосвал» изготовлены из никелированной стали методом лазерной резки в период между 2008 и 2012 годами. Выставочные фото: галерея Родольфа Янссена (Брюссель).

Вим Дельвуа_Самосвал (2012) сталь, лазерная резка

Краткая справка: Вим Дельвуа родился в 1965 году в Вервике (Бельгия). В 1983 году поступил в Королевскую академию изящных искусств в Генте. С 1985 года он исследует темы взаимодействия современных технологий и повседневных предметов. Художника всегда интересовал феномен китча в искусстве. Обычно Дельвуа соединяет элементы из разных смысловых контекстов, из-за чего отдельные объекты утрачивают знакомый характер (например, витражи с изображением рентгеновских снимков, гладильные доски с геральдическими мотивами, представленные здесь же «готические» самосвалы и т.п.). Методом противопоставления художник создает напряжение в сознании зрителя, вызывает у него ощущение, близкое к сюрреалистическому. В 1992 году Дельвуа экспонировал каменный пол, украшенный узорами экскрементов на выставке «Documenta IX» в немецком городе Кассель. Также он получил широкую известность благодаря живым татуированным свиньям. Художник постоянно участвует в международных биеннале, его скульптуры и инсталляции представлены во многих собраниях современного искусства. В 2009 году Дельвуа построил готическую десятиметровую башню «De Torre» для Венецианской биеннале. В 2010 году, после дополнительного уточнения концепции, художник спроектировал стальную башню для сада музея Родена в Париже. Другая версия этой башни стоит в Брюсселе у центра искусства «BOZAR». В настоящее время автор живет и работает в Брайтоне (Великобритания).

Фото: © Wim Delvoye / © Rodolphe Janssen / © velvet.by.
Posted in Инсталляция, Скульптура | Tagged , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Памяти Бориса Заборова

20 января в Париже скончался известный художник Борис Абрамович Заборов (1935-2021). Он родился в Минске, в 1954 году окончил художественное училище, затем продолжил образование в Ленинградском институте имени И. Репина (1955-1958) и в московском институте имени В. Сурикова (1958-1961). В 1961 году Заборов возвращается в Белоруссию, но в советской живописи не видит для себя никаких перспектив. Портреты ударников производства и партийных вождей вызывают у молодого художника отторжение. Для заработка он выбирает книжную графику. Иллюстрациями Бориса Заборова оформлены издания А. Пушкина, Ф. Достоевского, У. Шекспира, О. Уайльда, Я. Купалы, Я. Коласа и других авторов. В шестидесятые-семидесятые годы художник жил и работал в Минске, помимо графики занимался созданием костюмов и театральных декораций. В 1980 году эмигрировал во Францию. После переезда почти полностью переключился на станковую живопись, создал большое количество картин, вдохновленных старинными фотографиями. О взглядах художника вы можете подробнее прочитать в статье из нашей регулярной рубрики «Художник говорит».

Борис Заборов, фото - Игорь Глик

«С первых минут встречи с Парижем я понял, что этот город мне чужой, я ему чужд. Я − чужак, вторгнувшийся на чужую территорию. Таковым себя ощущаю и сегодня, спустя годы жизни во Франции. Безусловно, в меньшей степени, нежели раньше. Но «своим» я никогда здесь не стану. Собственно, с какой стати я могу стать своим в географии, где не было моего детства и юности, где нет мною хоженых дорог, нет реставрируемых памятью запахов молодости и, наконец, родного языка.

Мне известно утверждение (справедливое), что свободу надо искать в себе, а не вовне. Но знаю на своем опыте, что этот путь к себе пройти легче, если внешнее окружение не вторгается в твой личный мир. Но «душа должна трудиться». Ибо путь к самому себе − путешествие не скорое и не увеселительное.

В нынешнем, порочно-декадентском обществе художника поджидают бесчисленные искушения. Сегодня человеку, художнику в частности, чтобы не погибнуть меж сладкоголосой Сциллой массмедийной пропаганды так называемого «современного искусства» и Харибдой коммерческого разврата этого же «искусства», есть только одна возможность − привязать себя канатами нравственности к собственному позвоночнику. Трудно себе даже представить масштабы финансово-коммерческой пирамиды «современного искусства», которая за последние десятилетия вознеслась выше Эйфелевой башни. Будь это дело рук коммерсантов, публичных торгов и разного рода дилеров, все было бы просто и понятно. Будущее культуры − не их приоритетная забота. Тревожно и тоскливо как раз то, что государственные институты и культурные организации на всех этажах, музеи и патроны выставочных залов, большая часть массмедиа активно и солидарно поддерживают этот разрушительный процесс дегуманизации искусства. Безусловно, пирамида «современного искусства» рухнет, и не позднее 2023 года. Рухнет, как рушились и рушатся сегодня казавшиеся нерушимыми политические, социальные, финансово-экономические структуры. У культуры свой гамбургский счет. Войти в нее можно только с парадного портала, черного хода у культуры нет».
Из интервью с Борисом Заборовым.

Фото: © Игорь Глик.
Posted in Живопись | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment