Чешская художница Руфина Базлова (Rufina Bazlova) поддержала мирный протест белорусов, призывающий к честным выборам. Она использовала традиционный белорусский узор вышивки для создания графических работ на эту тему. Все изображения: © Rufina Bazlova (2020).
Американский художник Уоррен Чанг (Warren Chang) известен своими картинами, изображающими сельскохозяйственных рабочих округа Монтерей в Калифорнии. Эти реалистические полотна, выполнены в классической технике и напоминают художников XIX века, в частности − Франсуа Милле, который часто писал сцены из крестьянского быта. Кроме того, Чанг много работает в жанрах портретной живописи, натюрморта и пейзажа. Нетрудно заметить, что и эти произведения созданы под влиянием многих великих мастеров прошлого, таких как Вермеер, Рембрандт и Веласкес. В США творчество Уоррена Чанга ценится среди любителей традиционной живописи и признано на национальном уровне. Его работы находятся в постоянных коллекциях Монтерейского музея и художественного музея Гильберта в Оранже (Калифорния). Чанг был удостоен чести персональных выставок в художественном музее Монтерея, Институте американского искусства Батлера в Огайо, а в 2019 году провел персональную выставку в общественном некоммерческом Новом музее Лос-Гатоса.
Краткая справка. Уоррен Чанг родился в 1957 году. С 1976 по 1978 годы учился в Калифорнийском университете в Санта-Крус и в Лос-Анджелесе. В 1981 году с отличием закончил бакалавриат колледжа искусств и дизайна в Пасадене (Art Center College of Design). Помимо творческой работы художник много преподает. С 1997 по 2000 годы работал в Институте Пратта (Нью-Йорк), с 2000 по 2001 годы учил студентов Калифорнийского института искусств, с 2001 года и по настоящее время преподает живопись в Академии искусств (Academy of Art University) в Сан-Франциско. Сайт художника: www.warrenchang.com.
Из цикла «Художник говорит».
«Я никогда не считал себя художником поп-арта. Однако, когда я был молод, было время, когда на меня повлияли методологии и приемы «поп-артистов», таких как Уорхол. Поэтому меня, наверное, причислили к ним. Поп-арт, который представлял Энди Уорхол, восстал против скучной эксклюзивности современного искусства; вместо этого он использовал в качестве материала популярную привлекательность и светский характер коммерческого искусства, телевидения или других средств массовой информации. В этом контексте коммерческое искусство меня сильно стимулировало.
Влияние на меня мультипликации, анимации, началось еще в детстве, в средней школе. Но, как ни странно, это была не японская мультипликация, а диснеевские монохромные мультфильмы: «Бетти Буп» и «Морячок Попай». Они очень сильно повлияли на мое творчество. Если говорить о влиянии анимации на арт-индустрию Японии в целом, то надо отметить следующее. Япония − островная страна, и наш менталитет довольно герметичен. Анимация − это «тепличный продукт», и многое не экспортируется за рубеж. Если хотите, это артхаус, который очень отличается от популярных аниме.
В разные периоды своей жизни я применял самые разные приемы и стили, открывал что-то новое, но по сути манера оставалась неизменной. Все новое в моих работах – это мысли, люди и события. Мои работы – это мое отражение в зеркале. Своеобразная эволюция. Я постоянно пробую что-то новое и не ограничиваю себя рамками. Конечно, я рисовал картины в классическом стиле, работал с естественными цветами, но эти работы не обрели популярность. Лишь некоторые приемы, характерные для классического стиля, я внедрил в графику. Каждый новый опыт – это впечатление, которое отражается в моих работах. Собственный стиль при этом не меняется. Добавляются только элементы.
Искусство − такая вещь, которой нельзя учить как школьному или университетскому предмету. Преподавая в университете, я всегда ставлю перед собой задачу развивать воображение. Именно оно является ключевым для любого человека, который хочет творить и создавать. В искусстве бесполезно давать конкретные указания: они губят любое творчество. Поэтому я в своих образовательных программах учу студентов именно способности придумывать. Воображать то, что они и представить себе не могли.
Еще одна важная вещь: в японских школах образовательный процесс построен по принципу развития у детей не столько воображения, сколько запоминания. Оценка качества их образования основывает на том, сколько информации они запомнили. Это очень большая ошибка! Люди, у которых есть склонность к творчеству и созиданию (но которые при этом обладают не очень хорошей памятью), становятся из-за этого слабыми в социальном плане, оцениваются ниже. Для меня способность запоминать куда менее важна, чем творческие способности.
Главный инструмент художника − это его воображение, которое нужно развивать в первую очередь. Искусство − это не точная наука, и нельзя ограничивать себя правилами, рамками. Художник, прежде всего, должен научиться выдумывать новое. И еще хочу добавить: художник должен быть упорен. Может пройти не один год, прежде чем работы художника оценят. Нужно быть готовым к этому.
Я согласен с тем, что искусство − это в том числе способ лечить психологические проблемы. Искусство − это песочница, в которой вы путем проб и ошибок ищете решения и ответы на жизненные проблемы в полной защищенности. Глядя на произведения, созданные в этой песочнице, зрители могут открыть для себя что-то новое и найти ответ на вопрос, который их тревожит».
Кейичи Танаами (田名網 敬), современный японский художник (1936 г. р.). Фото: © Courtesy Gary Tatintsian Gallery.
Мольберт из мангала мы уже видели. Сегодня посмотрим, что из себя представляет вращающийся мольберт, запатентованный в США. Этот съемный вариант художественного приспособления для живописи позволяет удерживать холст размером от маленького (15 х 15 см), до среднего (максимально − 76 х 76 см), а также наклонять и поворачивать его в любом произвольном направлении. Изготовлен мольберт вручную из древесины тополя и отделан полиуретаном. Как заявлено производителем, изделие можно закрепить на штатив фото и видео-камеры, на стандартном мольберте, да и просто на любой узкой вертикальной доске или раме. Так как художники работают в разных техниках, наклон, поворот и фиксация плоскости холста под разными углами может быть полезным преимуществом. Стоимость данной модели около 80 долларов, не считая доставки. (Доставка по континентальной части США бесплатная). Есть еще «двуручный» вариант мольберта, который способен удерживать холст с четырех сторон. Он стоит на пять долларов дороже. Посмотреть и заказать эти варианты можно здесь. Все фото: © SelwacorpEasels (2020).
1 августа в городе Токородзава открылся Музей культуры Кадокава (Kadokawa Culture Museum). Комплекс спроектирован студией «Kengo Kuma and Associates», и первая же экспозиция музея посвящена творчеству архитектора Кенго Кума.
Как видите, здание музея отличается строгим и необычным дизайном, напоминающим каменный многогранник. Фасад выложен двадцатью тысячами гранитных плит, а внутреннее пространство состоит из пяти уровней. На первом этаже располагается небольшая библиотека и зал для тематических выставок площадью 1000² метров. На втором − магазин и кафе, а третий уровень целиком посвящен искусству аниме. Самая интересная особенность музея − впечатляющая библиотека высотой восемь метров − находится на четвертом этаже. Здесь, на книжных стеллажах хранится около пятидесяти тысяч экземпляров книг. При помощи проекционного картографирования пространство библиотеки легко превращается в площадку для выступлений. На пятом этаже располагается дополнительная галерея и ресторан. В целом, Музей культуры Кадокава является частью более крупного комплекса «Tokorozawa Sakura Town», который включает в себя аниме-отель, парк с вишневыми деревьями, крытый павильон, храм, магазины и рестораны. Вcе фото: © Kadokawa Culture Museum (2020).
Дизайнер-флорист Льюис Миллер (Lewis Miller) в очередной раз украсил улицы Нью-Йорка инсталляциями из живых цветов. Он уже несколько лет преображает строительные зоны, столбы, урны и памятники своими композициями из подсолнухов, гортензий и пионов. Три года назад я публиковал отчет о его акции «Flower Flashes» («Цветочные вспышки»), которая пришлась по душе жителям города. Думаю, что и новые работы Миллера добавят изголодавшимся по свежему воздуху нью-йоркцам сил и оптимизма. Все фото: © Lewis Miller Design.
Небольшой автопортрет кисти Рембрандта ван Рейна (1606–1669) продан лондонским отделением аукционного дома Sotheby’s за 14 549 400 фунтов стерлингов. Лот ушел с молотка во вторник, 28 июля в рамках торгов «От Рембрандта до Рихтера» («Rembrandt to Richter»). На сегодняшний день − это рекордная цена за автопортрет голландского художника, когда-либо реализованный на аукционе. Предыдущий рекорд был установлен в 2003 году, когда автопортрет мастера был продан за 6,9 миллионов фунтов.
Данное произведение считается очень редким, так как, по оценкам искусствоведов, это один из двух автопортретов мастера в парадной одежде, и один из трех, хранящихся в частном собрании. Шедевр написан маслом на дубовой доске размером 21,8 см на 16,3 см. Автопортрет датирован 1632 годом − на тот момент Рембрандту было двадцать шесть лет. Источник. Фото: © Sotheby’s, © Global Look Press / Keystone Press Agency / Stephen Chung.
О выставке «Ненавсегда», проходящей в ГТГ на Крымском валу, критически отозвался в Фейсбуке Анатолий Осмоловский. Привожу этот текст полностью, для тех, у кого нет аккаунта в ФБ.
«О плохой выставке писать не просто. Особенно когда она сделана хорошим человеком. Кирилл Светляков − настоящий энтузиаст искусства. Это сильная и одновременно его слабая сторона: полная самоотдача и невероятная наивность. С одной стороны необходимо показать как можно больше материала, невзирая даже на собственные вкусы и взгляды. С другой стороны − подобный показ может растворить в этом материале самого куратора. Так и появилась выставка «Ненавсегда».
Не секрет, что внешность героинь в современных мультфильмах создается по одному шаблону. Диснеевский стиль анимации вообще очень узнаваем. Художники студии рисуют женских персонажей с симпатичными миниатюрными чертами лица и огромными выразительными глазами. Этот стандарт часто заимствуют аниматоры российских студий «Мельница» и «Аэроплан», что делает героев наших картин почти не отличимыми от диснеевских. Гипертрофированные пропорции нравятся далеко не всем, поэтому в последнее время художники пытаются перерисовывать лица кукол и мультперсонажей, чтобы придать их внешности больше реалистичности. Например, украинская художница Ольга Каменецкая превращает физиономии массовых кукол в более человеческие, а филиппинский художник Ноэль Круз уже давно перерисовывает лица серийным куклам компаний Gene, Tyler, Sydney, Robert Tonner, Franklin Mint, придавая им более естественный вид.
Калифорнийская художница Холли Фэй (Holly Fae) переосмысливает знаменитые образы студии Диснея с помощью цифрового приложения «Procreate» на своем iPad. Результаты ее преобразований можно увидеть в Инстаграме иллюстратора. Изменениям подверглись принцесса Мерида из фильма «Храбрая сердцем», принцесса Жасмин из «Аладдина», Ваниллопа из «Ральфа», Флинн Райдер и Рапунцель из «Запутанной истории», Анна и Эльза из «Холодного сердца», Моана из одноименной картины, Ариэль из мультика «Русалочка», Белль из «Красавицы и чудовища». Все изображения: © Disney / @ hollyfae_art (2020).
Посмотрите, какой замечательный гобелен создала португальская художница по текстилю Ванесса Барраган (Vanessa Barragão). На его изготовление понадобилось 42 килограмма переработанной шерсти и 8 килограммов джута и хлопка. Размер произведения: 600 на 200 сантиметров. Гобелен связан вручную, с использованием традиционных техник вязания крючком. Несмотря на то, что Ванесса работала с командой ассистентов, весь процесс вязания занял более 520 часов. Сегодня гобелен экспонируется в лондонском аэропорту Хитроу, поскольку проект был осуществлен в рамках партнерства между Хитроу и ботаническим и исследовательским учебный центром Кью-Гарденс. Для декорирования карты мира Ванесса Барраган использовала изображения редких и исчезающих видов растений и кораллов, чтобы подчеркнуть экологическую направленность своей работы. Все фото: © Studio Vanessa Barragão.
