Тема украинской культуры начинает проявляться и в индустрии моды. 4 июля в парижском музее Родена состоялся показ коллекции женской одежды от-кутюр сезона осень-зима 2022 модного дома Christian Dior. C 2016 года за творческие поиски в компании отвечает креативный директор Мария Грация Кьюри (Maria Grazia Chiuri). Ее вдохновили работы украинской художницы Олеси Трофименко, выставку которой она посетила в Риме еще в апреле этого года. В экспозиции «Short Stories Contemporary artists from Ukraine» приняли участие сто сорок молодых и начинающих художников. Модельера очень впечатлили костюмы, украшения и вышиванки с народными узорами. Свою коллекцию Мария связала с образом Древа жизни, важнейшего элемента украинского фольклора. Во время дефиле на стенах зала были развешены огромные постеры с работами Олеси, чтобы в очередной раз показать зрителям, что искусство и мода находятся в неразрывной связи. Ниже можно увидеть некоторые из платьев и костюмов этой коллекции. Все фото: © dior.com / © Adrien Dirand.
Говорит Трун
Из цикла «Художник говорит».
«Граффити еще очень молодое явление, чтобы занимать особое место в истории искусств. Специалистов, свободно рассуждающих о граффити и чувствующих себя в этой теме как рыба в воде, слишком мало. Большинство в своих оценках опирается на эмоции, на привычные образы, и даже в классических шрифтах зрители видят что-то свое. У меня была ситуация, когда я рисовал на улице Марата. Подошла женщина, долго стояла за спиной, потом сказала: «Ваш мотоцикл мне очень нравится». Отхожу от стенки и не вижу мотоцикл − а она увидела. Еще с несколькими работами была история: зрители видели в них цветы, а я рисовал буквы. Конечно, мне приятно, когда мои работы нравятся зрителям. Но мне сложно объяснить их смысловую нагрузку людям из иной среды. Рисуя граффити, ты находишься в определенной культуре, и тебе важно показать таким же, как ты, чего ты стоишь, чего достиг − технические приемы, колористику. Не раз сталкивался с тем, что зрители не из этой культуры вообще не видят разницы между очень крутым граффити-художником и средненьким. Для них это два цветовых пятна. Если кто-то рисует котенка, а рядом самый крутой граффитист − свое послание, 99 процентов зрителей выберут котенка.
Я начинал очень рано, тогда в Питере, в России почти не было конкурентов. Потом началась эпоха battle festival − батл-фестивалей, на которых граффитисты бились целыми командами, была острая конкуренция между группами. Сейчас эта эпоха прошла, теперь командой мало кто рисует, все хотят делать нечто индивидуальное, особо узнаваемое, персональное. Начал рисовать в девятом классе, когда еще не думал о высшем образовании. Сначала хотел поступать на юридический в Университет МВД. Прошел подготовительные курсы и понял, что не хочу там учиться. Люблю читать, мне нравятся книги, современные писатели, вся эта литературная «движуха». На лингвистику и филологию пошел, потому что мне было интересно. А факультет дизайна интереса не вызвал. К тому моменту я уже почти десять лет рисовал, жил внутри этого процесса − что мне могли рассказать те, кто не в нем? Лучше я книги почитаю.
Рисунок, конечно, начинается с эскиза. Но у меня в какой-то момент рисование эскизов стало параллельным занятием − не эскиз под конкретный холст рисую, а просто постоянно делаю зарисовки. Каждый день, по многу часов. Если возникает какая-то интересная структура, линия, поворот сюжета, обязательно запоминаю и позже включаю в работу на холсте. Компьютер использую, только если нужно печатать принты, а для поиска новых форм и нового языка мне хватает карандаша и бумаги.
Книгу «100 European Graffiti Artists Book» сделал английский фотограф Фрэнк Молт, известный под никнеймом Steam 156. Он на протяжении почти тридцати лет документировал граффити по всему миру. Он создал книгу, исходя из своего опыта, и включил меня (несколько раз он видел мои работы в Европе, мы общались). Я никогда не пользуюсь ни трафаретами, ни линейками, ни другими подсобными материалами, все рисую баллончиком от руки, без предварительной прорисовки. Это моя уникальная техника. Когда Фрэнк Молт увидел, как я рисую, он сказал: «Сталкивался с чем-то похожим в Польше, но там ребята рисуют по скотчу, а у тебя все от руки!».
Граффити − это быстро, и чем быстрее, тем интереснее. Возможности граффити и баллончика практически бесконечны. Мне абсолютно комфортно работать аэрозольной краской, я знаю ее досконально, это буквально продолжение меня. Когда ты понимаешь, что рисование − это твое и что у тебя получается, а рисовать нечем и негде, начинаешь рисовать первым, что попадается под руку, и в тех местах, где ты в данный момент оказался: в подъезде, в квартире. Сейчас я это особенно хорошо понял: у меня трое детей, и я уже несколько раз перекрашивал детскую.
Бэнкси не имеет никакого отношения к граффити! Он выходец из граффити, но он быстро ушел в стрит-арт, который тоже является частью граффити. Очень уважаю Бэнкси, но стрит-арт, на мой взгляд, это такое трусливое ответвление в граффити, когда авторы заранее, дома, готовят трафареты, делают заготовки. У них кишка тонка постоять на улице возле стены несколько часов и, может быть, получить по голове. Они просто делают наклейки, и все, что им нужно, − это выйти из дома, приклеить заготовку на стену и исчезнуть. Тем не менее уважаю некоторых художников стрит-арта, потому что многие их работы реально очень красивые. Да, и это тоже одно из главных отличий от граффити. Стрит-арт должен быть актуальным, а граффити − нет. Художнику стрит-арта нужен диалог с обществом, а граффитист ведет диалог только внутри своей субкультуры граффити.
Стрит-арт − мощный инструмент самореализации, а граффити − мощный инструмент самопознания. Тебе приходится копаться в себе и постоянно отвечать на вопрос: почему ты этим занимаешься, что тебе это дает? Возможно, поэтому люди останавливаются и уходят из граффити в стрит-арт, каллиграфию и другие направления − чтобы не мучить себя этой бесконечной рефлексией. Меня граффити воспитало. Все, что у меня есть: моя семья, все мои увлечения, мое мировоззрение, − все получилось благодаря граффити.
У меня есть ряд знакомых, которые вовремя смекнули, как можно делать деньги, и открыли конторы, выполняющие коммерческие заказы. Они нарисуют что угодно и где угодно. Их используют как инструмент, а я довольно рано понял, что не хочу быть инструментом в чужих руках, хочу, чтобы люди понимали, к кому они обращаются и что я могу сделать. И у меня это получилось. Конечно, я выполняю коммерческие заказы, хотя и не слишком часто, но в этих работах всегда присутствует мое имя. Не рисую озеро с лебедями, а рисую свое имя, и за это платят гораздо больше, чем за «чего изволите?». Чтобы этого достичь, пришлось, конечно, немного поголодать, но моя семья меня поддержала».
Петербургский граффити-художник Саша Трун (Александр Трунилов), основатель команды мастеров граффити «Top and Dope» (TAD). Фото: © архив Саши Труна.
В Москве сменилось руководство трех театров
Как сообщает «Агентство городских новостей» со ссылкой на пресс-службу департамента культуры Москвы, в столице поменялось руководство трех известных театров: «Современника», «Школы современной пьесы» и Московского драматического театра имени Гоголя, известного также как «Гоголь-центр».
На должность директора московского театра «Современник» назначен театральный педагог Юрий Кравец. Творческую составляющую театра снова будет определять художественный совет, как это было в те годы, когда «Современник» только создавался и за творческую часть отвечали его основатели − Галина Волчек, Евгений Евстигнеев, Олег Ефремов, Игорь Кваша, Олег Табаков. Ранее художественным руководителем «Современника» являлся Виктор Рыжаков.
Новым художественным руководителем московского театра «Школа современной пьесы» стал режиссер театра и кино, заслуженный деятель искусств РФ Дмитрий Астрахан. На его счету более сорока постановок, фильмов и сериалов. В их числе «Ты у меня одна», «Все будет хорошо», «Зал ожидания», «Желтый карлик», «Подари мне лунный свет» и другие.
Опасения труппы «Гоголь-центра», к сожалению, оказались не беспочвенны. Департамент культуры снял с должности Алексея Аграновича и Алексея Кабешева. По этому поводу Кирилл Серебренников написал в своем Telegram-канале: «Да. Они закрывают живой театр. С постоянными аншлагами. Со своей прекрасной публикой. С уникальным репертуаром. Театр с мировым именем. Театр для людей. Они могут это делать по праву учредителя. Но с точки зрения искусства это не просто вредительство − это убийство. Очередное обыкновенное убийство. Так, пожалуйста, и запомните. DEUS CONSERVAT OMNIA (БОГ СОХРАНЯЕТ ВСЕ)».
Художественным руководителем Московского драматического театра имени Гоголя назначен Антон Яковлев − режиссер театра и кино, сын актера Юрия Яковлева. Директором стал Александр Бочарников, ранее возглавлявший Новосибирскую государственную филармонию. Ранее он работал в «Театре сатиры» под началом Александра Ширвиндта. На фото: Антон Яковлев, © MK / © wikipedia.org.
Прекрасные украинки
Прекрасные украинки на полотнах художницы Ирины Калюжной. Какая бездна чувств в этих психологических портретах! «Мне очень близка женская тема, она идет за мной на протяжении всего моего творчества. А еще я увлекаюсь коллекционированием старинной украинской одежды и украшений. Скупаю их на аукционах, реставрирую, ношу, и своих героинь пишу в основном в одежде из своей коллекции. Для меня живопись всегда была потребностью номер один. Живопись − это то, с чем я родилась, как с глазами, руками, сердцем. Это то, что внутри тебя, в твоей душе, ищет выход и находит» − комментирует свои работы автор.
Краткая справка. Ирина Калюжная родилась в 1975 году в Харькове. Училась в харьковском художественном училище имени И.Е. Репина (1993-1999 гг.), получила специальность театрального декоратора и художника педагога. В 1999-2005 годы продолжила образование в харьковской Академии дизайна и искусств на факультете станковой живописи. С 2003 года является членом молодежного отделения Харьковского союза художников. С 2005 активно участвует в региональных и международных выставках, арт-проектах и пленэрах. С 2006 − член творческого объединения «Insight», с 2010 − Национального союза художников Украины. Подробнее с творчеством художницы вы можете познакомиться на ее авторской страничке в Фейсбуке. Все фото: © Iryna Kalyuzhna / FB.
«Гоголь-центр» могут закрыть
Сроки действия контрактов художественного руководителя «Гоголь-центра» Алексея Аграновича и директора Алексея Кабешева со столичным Департаментом культуры истекают 4 июля, и нет никаких признаков того, что они будут продлены. «Пока подбирают официальную причину, но на деле − театр без Кирилла Серебренникова особо не нужен», − пишет в Telegram-канале искусствовед Ксения Коробейникова со ссылкой на свой источник в Департаменте культуры. По ее словам, Алексей Агранович уже подыскивает место для репетиций и спектаклей − есть надежда, что труппу не распустят.
Театр пока не озвучивает творческие планы на новый сезон, ожидая официального решения городских властей. Ситуация может повернуться в любую сторону и осложняется тем, что Агранович намерен работать только с Кабешевым – и не подпишет договор на новый срок, если «Гоголь-центру» предложат нового директора. Несмотря на то, что «Гоголь-центр» продолжает оставаться финансово успешным и популярным театром, не исключено, что чиновники решили слить его с другим театром по примеру ЦИМа, который после ухода Елены Ковальской и увольнения Дмитрия Волкострелова объединили со «Школой драматического искусства».
На официальном Telegram-канале «Гоголь-центра» вчера опубликовано заявление:
«В последнее время нам часто поступают вопросы про закрытие театра. Мы не можем опровергнуть эти слухи, так как до сих пор у нас нет информации о продлении контрактов художественного руководителя Алексея Аграновича и директора Алексея Кабешева, которые заканчиваются 4 июля.
За последние 1,5 года театр выпустил 7 премьер: на Большой сцене − «Человек без имени» реж. Никита Кукушкин, «Страх и отвращение в Москве» реж. Филипп Авдеев, «Декамерон» реж. Кирилл Cеребренников (московская премьера), «Буковски» реж. Антон Федоров, «Я не участвую в войне» реж. Алексей Агранович, «Берегите ваши лица» реж. Савва Савельев; на Малой сцене − «Исчезнувший велосипедист» реж. Филипп Гуревич. Средняя заполняемость залов за 1,5 года − 92%. За 2021 год, несмотря на коронавирусные ограничения, театр заработал 146 млн. рублей (при бюджетном финансировании в 146 млн. рублей). За первое полугодие 2022 года театр уже заработал 162 млн. рублей, (при бюджетном финансировании в 154 млн. рублей). По плану к концу года на каждый государственный рубль мы заработаем два. Мы счастливы работать в одной команде и считаем вас, наших любимых зрителей, ее самой важной частью».
Остается только надеяться, что кислород «Гоголь-центру» все же не перекроют и нынешняя команда сохранится. Фото: © Евгений Чесноков.
Яркий Сидней-2022
После двухлетнего перерыва фестиваль света, творчества и современных технологий «Vivid Sydney» («Яркий Сидней») вновь порадовал гостей и жителей австралийского города множеством инсталляций, скульптур и видео-проекций. Обычно праздник проходит ежегодно в мае-июне и длится 23 дня и ночи. Вот лишь некоторые снимки с этого впечатляющего мероприятия. Все изображения: @vividsydney (2022).
Отель «Биосфера»
Шведская компания «Treehotel» известна своими уникальными мини-отелями, расположенными в лесных зонах. С 2010 года совладельцы сети Кент и Бритта Линдвалл создали уже восемь различных жилых конструкций, привлекая к разработке скандинавских дизайнеров, которым по душе природная среда и забота об экологии. В 2017 году я писал об их проекте «7-й номер». Кроме него супруги открыли отели: «Синий конус», «НЛО», «Стрекоза», «Кабина», «Птичье гнездо», «Зеркальный куб». Последний на сегодняшний день проект «Treehotel» называется «Биосфера» («Biosphere»). Он расположен в лесном массиве рядом с деревней Харадс, на сереве Швеции, чуть более чем в часе езды на машине от аэропорта Лулео. Над дизайном работали специалисты датского архитектурного бюро «Bjarke Ingels Group» в сотрудничестве с Ульфом Оманом (Ulf Öhman) − орнитологом и председателем Орнитологической ассоциации графства Норрботтен. Последний пояснил в пресс-релизе, что лесное хозяйство и изменение климата Европы привели к сокращению нескольких местных популяций птиц, и птичьи гнезда, окружающие «Биосферу», могут остановить эти потери. Действительно, фасады нового мини-отеля окружают 350 скворечников, в которых живут птицы самых разных видов: галки, горихвостки, гаички и другие.
Пройдя через подвесной пешеходный мост клиенты попадают в черно-серые интерьеры номера-люкс площадью 34 квадратных метра и могут любоваться на своих пернатых соседей сквозь окна в полу, стенах и потолке. Также на крыше отеля предусмотрена терраса с 360-градусным обзором, открывающая виды на лес и реку Лулео. Как и во всех гостиницах сети «Treehotel», в «Биосфере» есть туалет, душ, сауна и водопроводная вода. Номер рассчитан на двух гостей, а стоимость проживания, включающая завтрак, составляет около 1200 долларов в сутки, или 12 000 шведских крон. Кстати, для тех, кто беспокоится, что помет птиц может стать помехой для гостей, Ульф Оман подтвердил, что птицы не гадят там, где гнездятся, так что грязные окна и специфический запах не будут проблемой для проживания.
Фото: © Mats Engfors Fotographic / © Bjarke Ingels Group (BIG).
Эрмитаж ввел мораторий на выставки в Европе и США
Государственный Эрмитаж объявил, что вводит годовой мораторий на выставки в Европе и США. Об этом говорится в сообщении на официальном сайте. Предыдущий подобный мораторий вводился музеем в девяностые годы по соображениям безопасности и из-за высоких финансовых рисков. Ранее представитель президента по международному культурному сотрудничеству Михаил Швыдкой заявлял, что произведения искусства, находящиеся в музейном фонде России, не будут отправлять на зарубежные выставки, в том числе в дружественные и нейтральные страны, пока ситуация в мире не станет спокойнее.
Также представители музея сообщили, что в данный момент в музейные собрания вернулись все экспонаты, участвовавшие во временных выставках в Европе. С марта по июнь 2022 года Эрмитаж принимал участие в восьми зарубежных экспозициях — в Амстердаме, Гамбурге, Париже, Брюсселе, Лондоне, Милане и Риме.
Музаи
«Искусство питается изобретательностью, бесконечными образами, выходящими за пределы познания − и там его царство. Вся наука мира не смогла бы проникнуть в него» − писал итальянский искусствовед Лионелло Вентури. Этим тезисом руководствуется в своем творчестве и бразильский художник Музаи (Muzai). Он родился в 1968 году в штате Минас-Жерайс на востоке Бразилии, окончил Федеральный университет Уберландии, несколько лет проработал фотографом, а в 2009 году, посетив Сан-Паулу, неожиданно заинтересовался уличным искусством. В этот период молодой человек испытывал личный и профессиональный кризис, поэтому рисование стало для него в определенной степени терапией. Вдохновение он нашел в детских рисунках и комиксах, которые преобразились в графические листы и настенные фрески, предельно стилизованные и лаконичные. Его образы и персонажи рождаются почти интуитивно, а простота и графичность линий передают некоторую отстраненность жеста, форм и взгляда. Локальные цвета, преувеличенные размеры и композиции, сформированные в блоках и объемных структурах, свидетельствуют о силе его поэтического дара. Музаи работал на улицах Сан-Паулу, Белу-Оризонти, Флорианополиса, Уберландии, Ресифи, Барселоны, Сантьяго, Вальпараисо, Порту, Лиссабона, Мадрида, Парижа, Берлина, Лондона. В 2019 году художник завоевал первое место на Фестивале городского искусства «MURO − GAU» в Лиссабоне. Все изображения: © Muzai.
Александр Король. Пейзажи
Подборка произведений современного украинского художника Александра Короля. В его пейзажах чувствуется влияние академической и пленэрной импрессионистической школ живописи. По собственному признанию автора, он черпает вдохновение в творчестве таких мастеров как Рембрандт, Михаил Врубель, Илья Репин, Федор Захаров, Филипп Малявин, Николай Фешин, Клод Моне.
Александр Александрович Король родился 11 мая 1978 года в городе Запорожье. Окончил Харьковскую академию дизайна и искусств (портретно-жанровая мастерская профессора В. Н. Чауса и профессора В. Л. Ганоцкого). Участник областных, всеукраинских и международных выставок. Победитель конкурса «Парад традиций», Харьков (2008 г.), международного конкурса «Сентябрьская Квинта» (2008 г.), призер фонда «Культурное достояние» (Санкт-Петербург, 2010 г.) и конкурса «Сад Шевченко», Харьков (2016 г.). Почти двадцать лет Александр занимается росписью православных храмов. Награжден почетной грамотой за участие в росписи храма св. Георгия Победоносца (Алчевск, 2004 г.). С другими работами художника вы можете познакомиться в Инстаграме.
