В прошлом месяце мы рассмотрели татуировки с использованием эффекта золота, сегодня познакомимся с произведениями австралийского художника Джонни Холла (Jonny Hall), который применяет в рисунках на коже специальные УФ-чернила. Свой метод он назвал «УФ-еализмом» (UVealism), поскольку такой синтез позволил ему раздвинуть границы традиционного боди-арта, добавив к реалистическим элементам интересные акценты, которые можно увидеть только в темноте. Конечно, голубоватое свечение усиливает впечатления от его работ, но вопрос о долговечности таких тату по-прежнему остается открытым. Все фото: @jjhalltattoo.
Светящиеся тату
Posted in Боди-арт
Tagged jjhalltattoo, Jonny Hall, tattoo, UV-чернила, UVealism, австралийский художник, боди-арт, Джонни Холл, светящиеся тату, тату, тату-мастер, татуировки, УФ-краски
Leave a comment
Деревенская тема Валентина Сидорова
В работах известного советского живописца Валентина Михайловича Сидорова (1928−2021) деревенская тема занимала главное место. Он родился в деревне Сорокопенье Кимрского уезда Тверской губернии в простой крестьянской семье. В 1936 году родители в поисках лучшей доли переехали в столицу, где мальчик пошел в школу, и с тех пор приезжал в родные края лишь на летние каникулы. Неброская красота среднерусской полосы стала той средой, что во многом определила будущую личность художника и всю жизнь питала и вдохновляла его творчество. Рисовать Валентин начал рано, в возрасте десяти лет. Так случилось, что однажды ему пришлось долго лежать в больнице. Тоска по дому и детские переживания привели к тому, что он стал зарисовывать свои воспоминания. Впоследствии сам художник рассказывал: «Родилось чудесное ощущение, что ты можешь нарисовать любимые места, и они всегда будут с тобой».
В начале сороковых годов Валентин поступил в кружок изобразительных искусств Московского дома пионеров. Учебу прервала Великая Отечественная война, а свое школьное образование ему пришлось продолжить в селе Юрьево-Девичье, параллельно с этим работая в местном колхозе. По завершении битвы под Москвой, мальчик с матерью пешком вернулись в столицу. В 1943 году Валентин Сидоров был зачислен в филиал Московской средней художественной школы (сама школа была эвакуирована в Башкирию). Поступил не без помощи своего наставника А. М. Михайлова, который показал его работы преподавателям школы. Пять лет спустя юноша поехал в Ленинград и сдал экзамены в Институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, где проучился четыре года. Его педагогами в разные годы были П. П. Белоусов (1912−1989), Р. Р. Френц (1888−1956) и И. П. Степашкин (1882−1960).
В 1952 году Валентин по семейным обстоятельствам перевелся в Московский художественный институт имени В. И. Сурикова. Он много работал в студенческие годы, приезжал на этюды в родную деревню, совершил несколько творческих поездок на Ветлугу и на озеро Светлояр. В 1954 году молодой художник представил художественному совету свою дипломную работу «Будущий тракторист» и на полтора года уехал в Коровино. Здесь он пробовал свои силы в различных жанрах, написал множество этюдов и эскизов, размышлял о будущих картинах и об участии в большой выставке, готовившейся к 40-летию Октября. Коровинский период сыграл большую роль в творчестве Сидорова, он увидел «свой мир в простых сюжетах, свою природу, прикоснулся к ее душе, в нем родилось поэтическое восприятие мира».
В 1956 году художник вернулся в Москву и представил выставочному комитету свои эскизы к будущим полотнам «Майский дождик», «Гроза прошла», «Под августовские росы». Комитет остановил свой выбор на «Майском дождике» и для продолжения работы над картиной предложил ему поехать в дом творчества «Академическая дача», которым с 1960 года и на протяжении шести лет художник будет руководить сам.
Руководство «Академической дачей» − особый период в творчестве Валентина Сидорова. Именно там он сумел обрести себя, найти свой круг тем и образов. И именно с начала шестидесятых годов у художника начинается новый творческий период, когда бурный восторг сменяется более спокойным, углубленным, философским отношением к жизни. Зимние пейзажи мастера в полной мере свидетельствовали о его виртуозном владении тональной живописью. При всем многообразии мотивов, при всем различии эмоциональной и живописной палитры они связаны с раздумьем о жизни.
В 1966 году художник переехал в деревню Подол, расположенную в нескольких километрах от «Академической дачи» и давно притягивавшую его внимание. Здесь он писал свои этюды, а затем в течение многих лет жил и работал в пустовавшей летом старой школе. Эти места во многом определили все его последующее творчество.
С 1994 года Валентин Сидоров преподавал в Московском художественном институте имени В. И. Сурикова, с 1996 года в должности профессора, а с 1998 года в качестве руководителя мастерской станковой живописи. С 1951 года и до конца жизни регулярно участвовал в городских, региональных и всесоюзных выставках. Многие произведения художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее и Государственном Русском музее.
Большинство работ Валентина Михайловича Сидорова отличаются простотой и ясностью композиции, в них прослеживается традиция русской реалистической школы живописи, восходящая к творчеству Венецианова, Саврасова, Левитана, Серова, Коровина, Богданова-Бельского. Ниже вы можете увидеть ретроспективную подборку произведений художника, начиная с конца сороковых годов XX века и до 2015 года. Все изображения взяты из открытых источников.
Бумажные парики Аси Козиной. Часть 3
Еще несколько бумажных париков в стиле барокко от петербургской художницы Аси Козиной. С ее работами вы также можете познакомиться здесь и здесь. Все фото: © Яна Перова, модели: Ива Винок и Ирина Чембай, художник по макияжу: Анна Шевченко.
Posted in Дизайн
Tagged paperart, Ася Козина, барокко, бумажные парики, Ива Винок, Ирина Чембай, летучий голландец, парусный фрегат, современный дизайн, Яна Перова
Leave a comment
«Danny Boy» Кита Джарретта
Текст сентиментальной баллады «Danny Boy» был написан в 1910 году англичанином Фредериком Уэтерли и затем положен на народную ирландскую мелодию «Londonderry Air». Послушаем как звучит эта композиция в интерпретации американского пианиста Кита Джарретта. Видео снято в 2002 году во время гастролей музыканта в Токио. Трек «Danny Boy» также присутствует на концертном альбоме Джарретта «A Multitude of Angels», записанном в Италии в 1996-м и выпущенном в свет двадцатью годами позже.
Posted in Весь этот джаз
Tagged A Multitude of Angels, Danny Boy, Japan, jazz, Keith Jarrett, live, Londonderry Air, Tokyo, video, Дэнни Бой, Кит Джарретт, концерт, пианист, Токио, Фредерик Уэтерли
Leave a comment
Говорит Шагин. Часть 2
Из цикла «Художник говорит».
Картину Дмитрия Шагина «День тельняшки» с лозунгом «Митьки никого не хотят победить» убрали с выставки в Москве из-за «политического контекста». Здесь я уже писал об этом событии. Более подробно художник прокомментировал инцидент вот в этом интервью. Выдержки из статьи привожу ниже.
«Картина была нарисована к 65-летию журнала «Декоративное искусство». Кстати, очень хороший журнал, который много писал об искусстве, о митьках в том числе. Была такая идея выставки − чтобы художники нарисовали открытки к разным праздникам. Я решил сделать «День тельняшки», это наш неофициальный питерский праздник. Нарисовал сначала эскиз: митьки в тельняшках несут транспарант со своим знаменитым лозунгом «Митьки никого не хотят победить». Его утвердили. Потом я нарисовал большую картину, ее тоже утвердили. Напечатали к выставке открытки с эскизом моей работы. Музей декоративного искусства, где выставка должна была пройти, стоит в центре Москвы. Был подписан договор, прошло открытие. Меня не пригласили, да я и сам гриппом болел, не до того было. После праздников новогодних звоню своим друзьям из журнала, а они говорят: «Прости, Митя, мы не смогли твою картину отстоять». Им прислали официальную бумагу за подписью директора этого музея с указанием изъять картину «в связи с присутствием политического подтекста». Я в недоумении, спрашиваю, а забрать-то картину можно? Они говорят: «Да, мы ее спрятали, приезжай».
22 января было закрытие выставки, я приехал в Москву, подхожу к музею, там люди всякие, искусствоведы, из Третьяковки тоже были, всем выставка очень нравится. Смотрю, на входе висит трехметровый баннер. Там напечатаны все произведения, которые выставлены. Там же, на баннере, репродукция и моей картины «День тельняшки». Только текст транспаранта, который несут митьки, просто поверху замазан ярко-красной краской. Как будто митьки идут на фоне советского флага − просто «Щорс идет под знаменем, красный командир». Я говорю: «Это что такое?». Мне отвечают: «Да вот гуашью закрасили, ничего страшного, можно оттереть». Принесли мне сразу тряпочки, чтобы оттирать, воду, спирт какой-то. Я держусь, делаю веселый вид, там же люди вокруг, искусствоведы. Говорю: «Сейчас устроим перформанс, как мы возвращаем картину в правильное состояние». Тер-тер минут двадцать − не выходит, не оттирается. Замазали так, чтобы на века. Обиднее всего, что эта репродукция месяц в таком красно-советском виде провисела. В итоге все уже разошлись, мой перформанс не удался.
Выхожу на улицу, смеркается, снег идет. Мне из-под полы, с заднего хода, вынесли мою картину, завернутую. И я пошел в шоке, ничего не понимаю. Как же так? Иду по Москве, вокруг какие-то жуткие новые памятники: Кобзону, Калашникову. В этот момент мне показалось, как будто бы я попал в книгу Оруэлла.
Сейчас картина вернулась домой − в Питер. Будет экспонироваться в нашем арт-центре «Митьки». Я ее закрыл оргстеклом, на болтах − чтобы никто краской не брызнул. Полный текст лозунга, из-за которого сняли картину, таков: «Митьки никого не хотят победить, всегда будут в говнище, в проигрыше и поэтому завоюют весь мир». Этот лозунг не про советское или антисоветское, не про противостояние с властью, а про философию движения митьков. Запрещать его − все равно что запрещать битловское «All You Need Is love». Так и Христа начнут запрещать.
Лозунг появился в 1985 году. Мы, молодые ленинградские художники, жили в своем мире, у нас был андеграунд, свой рок-клуб, неофициальные квартирные выставки. Понемногу ослабевали запреты. В 1985 году уже состоялась наша первая выставка, которую не разогнали − под Питером, в Усть-Ижоре. Ее открывал Гребенщиков, а закрывал Виктор Цой. У нас была счастливая, юная, наполненная творчеством жизнь. Коммунистическая пропаганда была где-то вне нашей реальности. Нас уже не убивали, не сажали, как моего отца Владимира Шагина, который шесть лет отсидел за свое искусство при Хрущеве. Бульдозерами выставки не давили, как в 1974 году в Москве. Но картины с выставок все еще снимали. Приходили люди, такие «искусствоведы» в штатском, которые показывали пальцем: это снять, то снять.
У них было три пункта: антисоветчина, религиозная пропаганда и порнография. Под порнографию подходило любое изображение «ню». Конечно, ни о какой эротической сцене даже речи не шло, но даже если была изображена купающаяся девушка, тоже могли запретить. Под религиозную пропаганду подпадало изображение крестов, любых символов, связанных с христианством, даже куполок церкви, выглядывающий вдалеке на пейзаже. Ну а под антисоветчину могли подвести абсолютно что угодно. Последняя выставка митьков, где еще была цензура, состоялась в марте 1986 года. Тогда сняли очень много работ, в частности мою − портрет Николая Степановича Гумилева перед расстрелом, с его стихами: «В час вечерний / Час заката / Колесницею крылатой / Проплывает Петроград». Это, конечно, было признано антисоветчиной. У Кирилла Миллера была картина «Леннон в горках» − парафраз на известную картину «Ленин в горках». Это тоже была антисоветчина.
Но самой непонятной для комиссии была картина Соломона Россина «Лев Николаевич на коне»: Толстой там такой замечательный, босой, в косоворотке. И эта комиссия с полковником КГБ Коршуновым во главе не смогла объяснить, в чем тут антисоветчина, просто запретили. Потом выяснился такой момент: главой Ленинграда тогда был назначен некий Зайков, а звали его Лев Николаевич. И комиссия решила, что это может быть издевательство над Зайковым.
Перестраховывались и придирались буквально ко всему. Такая история в то время была везде: на полках киностудий пылились снятые фильмы, убранные подальше с глаз на многие десятилетия, в рок-клубе комиссия проверяла все тексты рок-групп, придиралась к каждому слову. Но все равно цензура слабела, и до сих пор ни разу не было, чтобы картину с выставки снимали. 37 или 38 лет такого не повторялось! Была в 1987 году придирка к гравюре Васи Голубева «Митьки отправляют Брежнева в Афганистан». Но ничем серьезным тогда не закончилось».
Читайте также первую часть размышлений художника, опубликованную в 2016 году.
Дмитрий Шагин (1957 г.р.) − русский художник, один из создателей творческой группы «Митьки». Фото: © Владимир Крейнин.
Коллекционер графики Кирилл Авелев
Петербургский коллекционер современной графики Кирилл Авелев рассказывает о своем собрании:
«В том, что касается художественного языка, графика строже, лаконичнее, более склонна оперировать знаками, обобщать. Графическое искусство можно сравнить с поэзией: правильные слова стоят в правильном порядке, в ней нет ничего избыточного, в то время как живопись похожа на роман Льва Толстого. Для меня графика − это квинтэссенция художественного творчества, потому что она полностью лишена материальности.
Первая покупка была не связана с коллекционированием. Первый офорт я купил у Дмитрия Северюхина, у него была своя маленькая галерея в Чайном домике Летнего сада. Это был городской пейзаж Лены Новиковой. Обычно начало коллекции − так себе, обычно об этом вспоминают со смущением. А тут действительно − одна из лучших работ Новиковой. Первые несколько лет я собирал только офорты. Мне нравилась в них четкость, прорисованность. В конце восьмидесятых − начале девяностых петербургские художники возвращались к печатным техникам, все крутились вокруг экслибриса. Потом постепенно я ушел от офорта и гравюры, стал просто графику покупать.
Моя концепция − это некий срез современной графики. При этом восприятие творчества художника всегда богаче при личном общении с ним, и к этому я стремлюсь. Принцип коллекции − это движение от эскиза, наброска к законченному произведению. Ведь часто бывает, что замысел был интереснее, многообразнее, чем результат. В эскизах как раз художник не закрепощен. Потом что-то шлифуется, лакируется, а в эскизах регистрируется движение мысли, чувства. Вот у меня эскизы Олега Яхнина к произведениям Гете и Данте, это такой вольный полет ассоциаций…
Мне нравятся те художники, что не просто что-то придумывают, но те, которые что-то переживают. Я собираю работы тех мастеров, с кем общаюсь. Да, есть разные поколения. Сложно сравнивать поколение Швецова с поколением Вильнера. Эти художники в разных условиях формировались. Я тяготею к двум направлениям − к художникам поколения Яхнина, Бигиджанова и т.д., у них графика многодельная, интеллектуальная. Но с другой стороны, мне импонирует более молодое поколение − Штапаков, Белый, Пиитер Алик со своей более брутальной манерой. Нельзя размазываться на весь мир. Но коллекция должна быть значимой и интересной.
Мне хочется все показывать, хочу, чтобы коллекция публично жила. Я выставлял графику из своей коллекции Константина Калиновича, львовского художника Олега Денисенко, художников Томашенко и Новиковой в музее-квартире Бродского. Для Калиновича я стал артдилером в Питере, иногда его картинки продаю. Из коллекции я ничего не продаю. У меня штампы есть, давилки, все, что заштамповал − то мое!
Заказное искусство − как правило, это плохо. На заказ художник всегда делает хуже, чем если что-то он делает для себя, по своему желанию, я в этом убедился. Если речь идет о том, чтобы какого-то художника к какой-то теме подтолкнуть, то делать это надо крайне тактично и осторожно…
Тема ню − это моя не то что фишка, но тема, в которой проще понять, что художник переживает, и переживает ли вообще. Понятно, что сексуальный момент присутствует, когда художник рисует женщину. Этим мне Петр Швецов нравится. Такие у него жесткие рисунки. Некрасивые натурщицы, но если присмотреться, то фантазии и желания сквозят. Он − честный художник. Многие рисуют обнаженную натуру, но часто получается слащаво и лживо. Я за честность в искусстве!».
Источники: 1, 2. Фото: © архив Кирилла Авелева.
Весенняя коллекция Джорджа Хобейка
Ливанский дизайнер Джордж Хобейка (Georges Hobeika) в юности отказался от карьеры инженера-строителя, чтобы стать модельером. Он родился в 1962 году в горной деревушке Баскинта, в небогатой многодетной семье. Его мама была швеей, и мальчик с ранних лет помогал ей с работой в ателье. Ремесло портного стало его хобби, но повзрослев Джордж проступил в университет, где изучал гражданское строительство и архитектурный дизайн. Гражданская война в Ливане вынудила его покинуть страну, и чтобы обеспечить семье лучшее будущее Хобейка уехал во Францию и несколько лет стажировался в парижских домах моды, в том числе в мастерской дома «Chanel». В 1995 году он открыл ателье в Бейруте, а В 2001 − провел свой первый показ в Париже, в «Отеле К». С тех пор Джордж Хобейка регулярно демонстрирует свои работы на неделях высокой моды, а его коллекции с нетерпением ждут модницы всего мира. В настоящий момент дизайнер владеет и управляет собственным домом моды, который включает четыре линии: «Georges Hobeika Couture», «Georges Hobeika Bridal», «Georges Hobeika Signature» и «GH by Georges Hobeika».
Посмотрим подборку женских костюмов и платьев из его новой коллекции от кутюр весны-лета 2023 года. Эта оптимистичная серия, по словам автора, демонстрирует важность взаимоотношений между семьей и друзьями. В ее основе − творческие поиски двух родственных душ, со-креативных директоров Джорджа и Джада Хобейка. Красивые платья и симпатичные девушки… Что еще нужно для хорошего настроения вечером в пятницу? Все фото: © georgeshobeika.com.
Экзистенциальная графика Эндрю Скотта
Иллюстратор из Рочестера (штат Нью-Йорк) Эндрю Скотт (Andrew Scott) создает рисунки, в которых исследует взаимосвязь человеческого сознания и эмоций − от надежды, оптимизма и радости до замешательства, сомнения и страха. Сам художник так говорит о своем творчестве: «Моя основная тема − психическое здоровье и сложная психология человеческого разума, анализирующая как светлые, так и темные стороны нашей природы. Все мои работы нарисованы вручную на цифровом планшете при помощи кистей, имитирующих традиционный уголь и графит. Я также придумал особый поджанр, в котором изучаю рамочные иллюзии, изображая людей, ломающих «четвертую стену».
Эндрю Скотт пользуется лаконичной, почти монохромной цветовой палитрой, а его графику определяют визуальные повороты сюжета, символизм и минималистичная среда. Концептуально его работы имеют много общего как с журнальными иллюстрациями, так и с творчеством уличных художников. Чтобы лучше считывать образы рисунков, под каждым произведением я поместил оригинальное название на английском и русский перевод. Подробнее с творчеством автора вы можете познакомиться на сайте: www.andrewscottart.com.
Andrew Scott «Waiting» («Ожидание»)
Continue reading
Картину Дмитрия Шагина удалили с выставки
При желании политический подтекст можно обнаружить в чем угодно. Например, кот Леопольд из советского мультика «Приключения кота Леопольда» постоянно говорит двум хулиганистым мышатам: «Ребята, давайте жить дружно!». Чем не политическая агитация? К какому примирению призывает зрителей герой мультика? Бред − скажете вы, и будете правы. Всегда нужно принимать во внимание временной и художественный контекст произведения. Но, вот свежий пример, как совершенно безобидная картина питерского художника Дмитрия Шагина «День тельняшки» обретает новое и опасное значение в глазах чиновников министерства культуры.
Изъять с выставки «Открытка. К 65-летию журнала «Декоративное искусство» работу Дмитрия Шагина попросило организаторов мероприятия руководство Всероссийского музея декоративного искусства, на чьей площадке в Москве проходила экспозиция. Беспокойство вызвал «политический подтекст», присутствовавший, по мнению музейных чиновников, в картине, а именно фраза, написанная на растяжке, которую держат в руках персонажи полотна − «Митьки никого не хотят победить!». Этот «лозунг» − не более чем девиз творческого объединения «Митьки», придуманный еще в начале 1980-х годов и хорошо известный всем ценителям творчества художников. Дмитрий Шагин был очень удивлен такой интерпретацией своего произведения и 23 января увез картину в Петербург. Руководству этого показалось мало, и было решено замазать фразу даже на открытке, напечатанной на баннере с репродукцией картины.
Вот что заявил в интервью изданию «Фонтанка.ру» сам автор:
«Да, там вообще очень странная история: дело в том, что это давний мой сюжет и он не имеет отношения ни к какой спецоперации вообще, этот лозунг митьков еще в 1984 году был написан Шинкаревым. И по этому поводу никто никогда вообще никаких претензий не предъявлял. Организаторы выставки − журнал «Декоративное искусство» (это у них была выставка к юбилею журнала) − спросили: «Нет ли у вас на тему праздника?». А у нас есть праздник, митьковский, − мы придумали «День тельняшки» в свое время.
Вот, и у нас выставки проходили, например в Военно-морском музее, − никогда никаких претензий ни у кого не было. И тут, значит, отправили картину, и все было нормально, все висело, было принято государственным музеем, Министерством культуры… А потом вдруг они почему-то написали бумагу, что нужно картину изъять, потому что она носит какой-то политический подтекст, который они в ней увидели. То есть бред какой-то уже! Я, конечно, в шоке от всего! Ну, что делать, − я картину спас, приехал в Москву, вчера ее забрал, сейчас повезу в Петербург. Организаторы, извиняясь, мне позвонили, сказали: «Такое дело, извините, мы ничего поделать не могли».
И более того, там висел печатный баннер, где были изображены все участвующие картины-открытки − а на них изображены разные праздники, и придуманные. И вот на репродукции моей картины несмываемой красной краской была замазана эта надпись − «Митьки никого не хотят победить!». Я пытался отмыть − не отмывается. Они сказали, что это гуашь, но не получается. То есть просто испортили еще и изображение картины. Я, честно говоря, в замешательстве был: я думал, это всё − так… А тут − что-то жестко! Закрасили так, что никогда никто не отмоет. Ну, слава богу, не на самой картине − саму картину я забрал, − а на этом баннере.
Я хочу еще сказать, что в последний раз мою работу запрещали в 1986 году − это был портрет Николая Гумилева, поэта. И считалось, что его тоже нельзя почему-то. Прошло сколько лет − 35, что ли, − и вот опять! Да что ж такое! Я, честно говоря, не ожидал. Ничего там такого вроде, добрая, хорошая картина. Вызывает позитивные чувства у людей. А вот такая история». Источник.
Фото: © архив Дмитрия Шагина / © fontanka.ru (2023).
Искусством займется биржа
Анонсирован запуск первой в мире биржи акций произведений искусства. Инициаторами проекта «Artex» выступил принц Йозеф Венцель Лихтенштейнский и группа инвестиционных банкиров. По словам генерального директора «Artex MTF AG» Яссира Бенжеллун-Туими (Yassir Benjelloun-Touimi), первая картина будет выставлена на продажу в начале 2023 года. Подробности организаторы держат в секрете, но обещают, что это будет работа одного из самых известных художников в истории искусства.
Говоря об отличиях «Artex» от других похожих проектов, Бенжеллун-Туими, ранее сотрудничавший с «UBS Group AG» и «BNP Paribas SA», настаивает, что новая платформа структурирована по принципам работы традиционного фондового рынка, позволяющего покупать и продавать акции, получая данные о ликвидности.
Заявлено, что консультантом «Artex» выступит инвестиционный банк «Rothschild & Co.», а клиринговые услуги окажет оператор швейцарской и испанской фондовых бирж «SIX Group». В настоящее время «Artex» лицензирован финансовым управлением Лихтенштейна. Ожидается, что на бирже будут продаваться произведения искусства от эпохи Возрождения до ХХ века, а их общая стоимость составит порядка одного миллиарда евро. К сожалению, площадка вряд ли станет доступна российским гражданам из-за санкционных ограничений.
Конечно, возникает вопрос: можно ли применять к произведениям искусства те же механизмы рынка, что применимы к ценным бумагам и акциям? Некоторые эксперты по личным финансам настроены скептически, говоря, что картина эпохи Возрождения не связана с денежным потоком или дивидендами, а это означает, что право собственности является чистой спекуляцией.
Совместное владение шедевром мировой живописи также не новая история для арт-рынка. И раньше покупали, например, «фрагмент» работы Рембрандта через специальные фонды, однако, этот бизнес во многом зависел от доверия управляющим. В 2018 году с ними начали конкурировать блокчейн-платформы, правда, такие вложения очень скоро признали высоко рисковыми. Пока что, потенциал новой биржи вызывает сомнения у многих инвесторов и клиентов.
Например, директор аукционного дома «ArtSale.info» Константин Бабулин заметил: «Возникает вопрос − а где спрятана прибыль? Как правило, там сложная математическая схема: исходя из таких-то, таких-то расчетов стоимость картины увеличивается в год на определенный процент, отсюда даже выплачиваются какие-то дивиденды и так далее. А на практике, вы купили картину Пикассо, а у вас кризис, и она не стала дороже. Что вы с этим будете делать? Купить дешево, чтобы это все выросло в цене, и потом через несколько лет продать дорого, − это большое искусство узких профессионалов, а не математических подходов и финансовых схем».
Серьезных инвесторов этот проект, скорее всего, не привлечет, уверен коллекционер Андрей Ружников: «Я занимаюсь искусством уже почти пятьдесят лет. Вступая в партнерство, всегда возникает риск того, что один участник хочет продать, а другой нет. Если я лично владею картиной, я ее купил, продал, вложил деньги, заработал, потерял − это все мои проблемы. А когда существует какое-то руководство, по-моему, все это обречено на громкую и серьезную неудачу».
