Компания CASETiFY, в сотрудничестве с фондом Сальвадора Дали выпустила серию забавных аксессуаров, переосмысливающих культовые работы испанского сюрреалиста. В коллекции «Salvador Dalí x CASETiFY» представлены чехол для смартфона и браслет с брелоками, вдохновленные картиной «Постоянство памяти» (1931). Глаз из фильма «Око времени» (1949) становится держателем для ремешка, а сочные красные губы знаменитого полотна «Лицо Мэй Уэст, использованное в качестве сюрреалистической комнаты» (1974), превращаются в оригинальный чехол для AirPods. В аксессуарах для телефонов, планшетов, ноутбуков и зарядных устройств фигурируют мотивы таких произведений как «Галатея сфер» (1952), «Как вам это понравится» (1948), «Корпускулярное постоянство памяти» (1952−54).
Собор Парижской Богоматери после реставрации
Во Франции состоялось торжественное открытие собора Парижской Богоматери. Его восстанавливали более пяти лет после пожара, случившегося 15 апреля 2019 года. Огонь уничтожил часть кровли, рухнул 750-тонный шпиль, пострадали орган и знаменитые гаргульи на фасадах. На восстановление исторического храма потребовалось около семисот миллионов евро. В 2025 году начнется следующий этап реставрации Нотр-Дам-де-Пари, на него планируют потратить еще сто сорок миллионов. Вот первые фото собора, опубликованные ведущими мировыми новостными агентствами.
Фото: © Thibault Camus / Ludovic Marin / Stephane de Sakutin / Gregoire Campione / Sarah Meyssonnier / EPA / Reuters / Scanpix / LETA / AFP.
«Золотая маска» обесценилась
Актеры, режиссеры и экспериментальные спектакли больше не смогут получить «Золотую маску». Союз театральных деятелей, который теперь возглавляет Владимир Машков, утвердил новое положение о российской национальной театральной премии.
Критик Антон Хитров так прокомментировал событие: «Теперь в ней нет никакого смысла. Во-первых, у премии больше не будет частных номинаций. Раньше ее вручали не только за лучший драматический, оперный, балетный и так далее спектакль, но и за лучшую работу режиссера, лучшую мужскую роль, лучшую женскую, лучшую работу художника (и еще немало номинаций). Теперь вклад отдельных людей отмечать не будут − только спектакль.
Во-вторых, они упразднили конкурс «Эксперимент».
В чем, собственно, был смысл «Золотой маски»? Прежде всего − в поддержке театрального сообщества. Это не только знаменитые на всю страну театры Москвы и Петербурга, где играют кинозвезды − это множество площадок, больших и маленьких, по всей России.
Премии в частных номинациях нередко доставались как раз региональным театрам. Так бывает, что спектакль в целом выглядит не самым выигрышным образом на фоне, скажем, монументальной работы Льва Додина, но один артист в нем играет потрясающе. Театр получает «Маску», вешает ее в фойе и говорит с региональными чиновниками по культуре уже с несколько иных позиций.
Что касается конкурса «Эксперимент», это вообще был локомотив нового российского театра. «Золотая маска» в этой номинации была лучшей поддержкой небольшим коллективам, которые пытались заниматься чем-то странным и до сих пор не опробованным».
Выбран цвет 2025 года
Институт Pantone™ выбрал главный цвет 2025 года. Им стал PANTONE 17-1230 Mocha Mousse («Мокко мусс») − «запоминающийся нежно-коричневый оттенок, который переносит наши чувства в мир удовольствия и изысканности».
«Теплый богатый коричневый оттенок напоминает о восхитительном качестве какао, шоколада и кофе, вызывая у нас чувство комфорта. Изысканный и сочный, но в то же время неприхотливый классический «Mocha Mousse» расширяет наши представления о коричневом цвете, превращая его из скромного и приземленного в вызывающий и роскошный» − заявила исполнительный директор компании Леатрис Эйсман (Leatrice Eiseman).
Изображение: © pantone.com.
Выставка Виктора Попкова
В залах Третьяковской галереи на Кадашёвской набережной, 12, открылась крупнейшая монографическая выставка выдающегося советского художника Виктора Попкова (1932–1974). В экспозиции представлено более двухсот живописных и графических работ мастера из собрания ГТГ и региональных музеев.
Виктор Ефимович Попков родился в 1932 году в Москве. Его родителями были простые рабочие люди, выходцы из крестьян. С детства мальчик увлекался рисованием, посещал изостудию при заводе имени Калинина в Подлипках. После школы закончил художественно-графическое педагогическое училище (1952), а затем и МГАХИ имени В. И. Сурикова (1958), где его преподавателем был известный художник Е. А. Кибрик. Позже Кибрик скажет о Попкове так: «Он умел учиться, а это верный признак таланта. Я имею в виду не пассивное, послушное выполнение советов учителя, но активную жадность к знанию того, что составляет сложное и высокое ремесло художника».
Попков действительно был неутомимым и жаждущем всего нового студентом. Позже он стал одним из основоположников т. н. «сурового стиля» шестидесятых годов. При этом он же раньше всех и покинул его жесткие пределы: как и всякий большой мастер, он не укладывался в рамки конкретного стилевого направления.
После официального искусства сталинской эпохи, выражавшего государственную идеологию, именно в произведениях Виктора Попкова вновь зазвучал авторский голос. Повествование в его картинах разворачивается как бы от первого лица. В своем творчестве художник открыто высказывал свое личное отношение к миру и человеку. Например, тема несостоявшейся судьбы поколения, ставшего жертвой Великой Отечественной, нашла отражение в цикле «Мезенские вдовы» (1966-68).
Особой темой для Попкова стал жанр автопортрета, в котором он создает собирательный образ современника. Поздняя живопись Попкова оказала влияние на формирование творческих принципов многих молодых мастеров семидесятых годов, в том числе Т. Г. Назаренко. В 1967 году Виктор Попков был награжден почетным дипломом парижской Биеннале за работы: «Бригада отдыхает», «Полдень» и «Двое». За цикл картин «Размышления о жизни» его посмертно удостоили Государственной премии СССР.
Художник погиб 12 ноября 1974 года в результате несчастного случая. На Тверской улице он подошел к инкассаторской машине и попросил подвезти его. Однако водитель выстрелил в него из табельного оружия в упор, приняв за грабителя. (Накануне в Севастополе произошло нападение на инкассаторов с двумя жертвами, и охранники перестраховались). Впоследствии инкассатор утверждал, что действовал по инструкции.
В настоящее время множество работ Виктора Попкова хранится в Государственной Третьяковской галерее, Русском музее, Государственном музее-заповеднике «Абрамцево», в региональных музеях России, частных и зарубежных коллекциях.
Выставка мастера будет работать до 11 мая 2025 года.
Фото: © Лев Иванов / РИА Новости, © ГТГ.
В столице откроют новый выставочный центр Исторического музея
Рядом с Новодевичьим монастырем планируют построить Экспозиционно-выставочный центр Государственного исторического музея.
На участке площадью 7 тысяч кв. м. в Лужнецком проезде города Москвы возведут здание с фондохранилищем, образовательным центром, техническими помещениями и конференц-залом на 140 мест. Основные строительно-монтажные работы завершат к концу 2025 года, а открытие комплекса ожидается в 2026-м.
В центре будут представлены все предметы, которые изъяли из монастыря после революции 1917 года. Также здесь разместят часть коллекции Исторического музея и создадут экспозицию, посвященную истории Новодевичьего монастыря и русского православия. Источник.
Фото: © novodev.msk.ru
Исчезающие книги
Аргентинское издательство «Eterna Cadencia» выпустило серию книг, текст которых полностью исчезает. Цикл носит название «El libro que no puede esperar» («Книга, которая не может ждать») и включает произведения только начинающих писателей.
Каждый экземпляр серии продается в герметичной упаковке и напечатан чернилами, которые медленно разрушаются под воздействием воздуха и света. Процесс полного исчезновения текста занимает около четырех месяцев. Представители издательства так пояснили свою задумку:
«Книги − очень терпеливые предметы. Мы покупаем их, затем они могут долго лежать на полках и ждать своего часа. Идут дни, месяцы и даже годы. Это вполне нормально, но начинающих авторов такое положение дел совсем не устраивает. Если люди даже не откроют их книгу, то о них никто никогда не узнает».
С маркетинговой точки зрения концепция, конечно, интересная, однако, что делать, если впоследствии захочется перечитать понравившуюся книгу? Ах, да! Купить новую. Маркетинг опять рулит.
Фото: © Eterna Cadencia.
Раненое детство
Фреска «Раненое детство» («Wounded Childhoods») находится в центре норвежского города Фредрикстад. С ее помощью художница Элиза Капдевила (Elisa Capdevila) предложила зрителям поразмышлять над важной проблемой: влиянием чрезмерного экранного времени на детей. На фасаде дома изображена одинокая девочка, погруженная в свой смартфон. Поскольку цифровые технологии все активнее интегрируются в нашу жизнь, легко упустить из виду их негативные последствия. С одной стороны гаджеты могут предложить образовательные преимущества и возможности для общения, но с другой − они же препятствуют развитию ребенка, его творческим и социальным навыкам. Еще одно напоминание о том, что нет ничего лучше личного и здорового взаимодействия.
Фото: © Elisa Capdevila.
Венецианская серия Анатолия Жукова
Венеция всегда привлекала художников своей атмосферой тайны и волшебства. Например, Иосиф Бродский поэтически выразил свои чувства так: «Венеция из тех городов, где и чужак и местный заранее знают, что они экспонаты. Это все – действие здешних видов и перспектив, ибо в этом городе человек – скорее силуэт, чем набор неповторимых черт, а силуэт поддается исправлению. Толкают к щегольству и мраморные кружева, мозаики, капители, карнизы, рельефы, лепнина, обитаемые и необитаемые ниши, статуи святые и снятые, девы, ангелы, херувимы, кариатиды, фронтоны, балконы, оголенные икры балконных балясин, сами окна, готические и мавританские. Ибо это город для глаз; остальные чувства играют еле слышную вторую скрипку».
Петербургский художник Анатолий Жуков свое очарование Венецией воплотил в серии любопытных живописных полотен. В них прослеживается романтический, карнавальный дух города, стилистически приближенный к манере русских авангардистов первой четверти прошлого века. Это не слепое заимствование идей и находок, а именно творческое переосмысление их наследия, пропущенное через сознание современного человека. В композициях Жукова четко видно влияние поп-арта с его дизайнерским уклоном, а также абстрактного экспрессионизма.
Краткая справка. Анатолий Юрьевич Жуков родился в Свердловске в 1957 году. В 1977 окончил ленинградское художественное училище, а в 1983 году факультет графического дизайна ЛВПХУ им. В. Мухиной. Работает в реалистической и авангардной стилистике, занимается иконописью и дизайном. Активно участвует в выставочной деятельности. Многие произведения автора находятся в частных коллекциях России и зарубежья. Подробнее с творчеством Анатолия Жукова вы можете познакомиться на его страничке во ВКонтакте.
Говорит Лобарёва
Из цикла «Художник говорит».
«Как человек начинает рисовать? От желания получить удовольствие от самого процесса: «Я хочу писать, мне радостно от творчества!». Но потом ему становится мало. Он хочет успешно продаваться, выставляться или стать известным. Хобби становится профессией со всеми вытекающими отсюда проблемами. Знаменитым стать не проблема. А вот как стать богатым? В принципе, это неправильно поставленные вопросы. Их обычно объединяют вместе. Вопрос не в том, как заработать денег, а как их зарабатывать постоянно.
Если ты хочешь отдохнуть, расслабиться – пиши, рисуй. Пусть это будет как хобби. Только в этом случае ты будешь получать от этого удовольствие. Как только ты перейдешь в профессиональную деятельность, вся твоя радость сразу закончится. И начнется профессиональная чернуха. Женя Бондарева в одном из постов высказала очень интересную мысль. Как только она начала профессионально обучаться – радость стала исчезать. Профессия не предполагает такого удовольствия как от хобби. Я себя чувствовала счастливым художником пока работала в театре. Вечером приходила умотанная и делала что-то для себя. Не для того, чтобы продать, не для выставки. Мне просто хотелось что-то писать, и я получала от этого огромное удовольствие. Потом, когда ушла из театра, я стала зарабатывать картинами − и началось… Никакой радости! Тебе звонят и говорят: «У нас закончились работы с видами Иркутска». И я брала себя в руки и насиловала себя как художника, надо было деньги зарабатывать. Сейчас я могу себе позволить делать то, что хочу. Нравится – покупайте, не нравится – не покупайте. Это в любом случае становится востребовано, потому что мне самой это нравится. Но с радостью, увы, большие проблемы! Потому что половина головы ориентируется на рынок.
Если вы хотите чего-то добиться, самореализоваться – это вопрос профессионализма. А значит – это годы и годы работы, просто упертый труд. Ты должен работать ежедневно. И с гулькин нос радости. Художники, которые не перестраиваются, не осваивают новые технологии, в том числе онлайн-продажи и соцсети, вот они сидят и жалуются на свою жизнь. Говорят, нет у них времени всем этим заниматься. А кто за тебя это сделает? Сидишь жалуешься, что денег нет. А что ты сделал для того, чтобы они были?
Я поняла, почему меня раздражают такие вопросы, как стать богатым и знаменитым, как выставляться… Эти вопросы касаются внешних мотиваций. А я все время хочу человеку объяснить, что нужно ориентироваться на внутреннюю мотивацию. Пока ты будешь себя сравнивать с каким-то художником, не учиться, а сравнивать «лучше-хуже», ничего хорошего не получится. Кто-то дороже продался, кто-то дешевле, поставили лайк или нет…
Пока есть внешняя мотивация, художника нет. Она убивает тебя. Почему дилетант получает удовольствие от процесса работы? Потому что он живет на внутренней мотивации. Хочется «размазать» краску по холсту, и делает это с наслаждением. Захотелось порисовать – порисовал. Пришел с работы и просто радуется, что у него есть время писать картину, без оглядки на лайки и заработки. Счастлив тот художник, который дошел до этой мысли. Нужно просто переместить центр своего внимания на внутреннюю мотивацию. И тогда появляется радость и удовольствие от работы! А все, что приносит радость нам, передает эту энергию дальше. И эту работу купят. С радостью! Понятно, что денег много не бывает, но бывает достаточно. Мне их достаточно, чтобы о них не думать. Но вопрос внутренней радости от своей работы, он все равно стоит.
Вдохновения без дисциплины не бывает. Если ждать только вдохновения, никогда ничего не сделаешь. Особенно сложно свободным художникам − многие теряются, когда заканчивают учебу, т. к. там всегда был кто-то, кто ставил задачи и сроки, а потом самому приходится учиться себя мотивировать.
Вот видишь объявление о мастер-классе. Замечательно. А потом заходишь и смотришь на работы того художника, который ведет этот мастер-класс. Смотрю на эти работы и думаю: «С чего ты решил, что сам что-то умеешь?». Конечно, говорить об этом не очень корректно. Нет у меня такого права решать, кто может учить, а кто нет. Но печально, что учат других часто слабые художники. Нет короткого пути. Невозможно купить онлайн-курс и стать художником. С чего это вдруг получится? Ты же не потратил годы на учебу… Хотя и самодеятельные художники многого добиваются. В любом случае – это ежедневный труд.
Есть некие алгоритмические вещи, которые человек должен знать, когда осваивает любую профессию. В живописи – это тон, цвет, тепло/холодность цвета, насыщенность, ритм, статика, динамика, симметрия, асимметрия и т. д. Нам все это преподают в художественных учебных заведениях. Но не всегда это дается системно. Начали с гипсового горшка, закончили фигурой человека. Натура усложняется, а эти алгоритмы идут сами по себе и объясняют их в разное время, разбрасывают по разным предметам – рисунок, живопись, композиция. Один известный преподаватель сказал, что он отталкивается от вопросов студентов. А какие вопросы ты можешь задать, когда еще ничего не знаешь?
Я понимаю, что неделя мастер-класса не заменит, конечно, полжизни опыта и шести лет обучения. Но можно напомнить и себе, и ученикам базовые вещи, которые обязательно нужно знать. Творчество – не математика. Это мысли, чувства, жизненный опыт. Это главное для художника».
Вероника Лобарева (1969 г.р.) − российский живописец и график.
