Из цикла «Художник говорит».
«Я никогда не считал себя художником поп-арта. Однако, когда я был молод, было время, когда на меня повлияли методологии и приемы «поп-артистов», таких как Уорхол. Поэтому меня, наверное, причислили к ним. Поп-арт, который представлял Энди Уорхол, восстал против скучной эксклюзивности современного искусства; вместо этого он использовал в качестве материала популярную привлекательность и светский характер коммерческого искусства, телевидения или других средств массовой информации. В этом контексте коммерческое искусство меня сильно стимулировало.
Влияние на меня мультипликации, анимации, началось еще в детстве, в средней школе. Но, как ни странно, это была не японская мультипликация, а диснеевские монохромные мультфильмы: «Бетти Буп» и «Морячок Попай». Они очень сильно повлияли на мое творчество. Если говорить о влиянии анимации на арт-индустрию Японии в целом, то надо отметить следующее. Япония − островная страна, и наш менталитет довольно герметичен. Анимация − это «тепличный продукт», и многое не экспортируется за рубеж. Если хотите, это артхаус, который очень отличается от популярных аниме.
В разные периоды своей жизни я применял самые разные приемы и стили, открывал что-то новое, но по сути манера оставалась неизменной. Все новое в моих работах – это мысли, люди и события. Мои работы – это мое отражение в зеркале. Своеобразная эволюция. Я постоянно пробую что-то новое и не ограничиваю себя рамками. Конечно, я рисовал картины в классическом стиле, работал с естественными цветами, но эти работы не обрели популярность. Лишь некоторые приемы, характерные для классического стиля, я внедрил в графику. Каждый новый опыт – это впечатление, которое отражается в моих работах. Собственный стиль при этом не меняется. Добавляются только элементы.
Искусство − такая вещь, которой нельзя учить как школьному или университетскому предмету. Преподавая в университете, я всегда ставлю перед собой задачу развивать воображение. Именно оно является ключевым для любого человека, который хочет творить и создавать. В искусстве бесполезно давать конкретные указания: они губят любое творчество. Поэтому я в своих образовательных программах учу студентов именно способности придумывать. Воображать то, что они и представить себе не могли.
Еще одна важная вещь: в японских школах образовательный процесс построен по принципу развития у детей не столько воображения, сколько запоминания. Оценка качества их образования основывает на том, сколько информации они запомнили. Это очень большая ошибка! Люди, у которых есть склонность к творчеству и созиданию (но которые при этом обладают не очень хорошей памятью), становятся из-за этого слабыми в социальном плане, оцениваются ниже. Для меня способность запоминать куда менее важна, чем творческие способности.
Главный инструмент художника − это его воображение, которое нужно развивать в первую очередь. Искусство − это не точная наука, и нельзя ограничивать себя правилами, рамками. Художник, прежде всего, должен научиться выдумывать новое. И еще хочу добавить: художник должен быть упорен. Может пройти не один год, прежде чем работы художника оценят. Нужно быть готовым к этому.
Я согласен с тем, что искусство − это в том числе способ лечить психологические проблемы. Искусство − это песочница, в которой вы путем проб и ошибок ищете решения и ответы на жизненные проблемы в полной защищенности. Глядя на произведения, созданные в этой песочнице, зрители могут открыть для себя что-то новое и найти ответ на вопрос, который их тревожит».
Кейичи Танаами (田名網 敬), современный японский художник (1936 г. р.). Фото: © Courtesy Gary Tatintsian Gallery.
