Пейзажи Константина Первухина

2 июня 1863 года родился Константин Константинович Первухин − русский живописец-импрессионист, иллюстратор, педагог и фотограф.

Будущий художник появился на свет в Харькове, в небогатой чиновничьей семье. Его отец служил землемером в уездной межевой канцелярии. Выполняя чертежи и планы, он часто украшал их виньетками и изящно оформленными надписями. Константин унаследовал от отца увлечение шрифтами и типографикой, а основы рисунка приобрел в реальном училище у Дмитрия Ивановича Безперчего. С 1883 по 1884-е годы юноша посещал также школу рисования и живописи Марии Дмитриевны Раевской-Ивановой. Уже в ту пору у него появился интерес к пейзажному жанру и работе красками на пленэре.

В 1885 году Константин Первухин отправился в Санкт-Петербург с намерением окончательно посвятить себя искусству. Не имея ни средств, ни связей, ни рекомендаций, он берется за мелкую иллюстративную халтуру, чтобы банально заработать на жизнь, а по вечерам занимается в кружке молодых художников, где набивает руку зарисовками обнаженной натуры. Тогда же Константин начинает посещать творческие вечера знаменитого Ильи Репина. Об этой дружбе художник впоследствии вспоминал так: «В это время я познакомился с Репиным и довольно близко с ним сошелся. Он принял во мне большое участие, и, хотя я не назову себя его учеником, но его советы имели огромное значение в моей профессии». Довольно скоро Первухин зарекомендовал себя как хороший рисовальщик пером, хотя его все больше привлекали живописная практика и натурные сеансы.

В 1886 году молодой человек выдержал вступительный экзамен в Академию художеств и был зачислен вольнослушателем в мастерскую адъюнкт-профессора Павла Петровича Чистякова. Однако, необходимость работать, чтобы оплачивать учебу и содержать себя, отнимали у студента уйму времени, не давая возможности регулярно посещать занятия.

В феврале 1887 года Константин Первухин впервые выступил экспонентом на передвижной выставке. Предложенную им картину «Зима» еще до официального открытия экспозиции приобрел Павел Михайлович Третьяков для своей галереи. Это был большой успех, окончательно решивший судьбу художника. С этого времени «передвижники» становятся для Константина Первухина самыми близкими по духу соратниками и друзьями. Почти на всех выставках общества стали появляться его пейзажи: «Вечер» (1888), «Дорога» (1889), «Под тучкой» (1890), «Вечер в Крыму» (1894) и другие. Хотя произведения молодого художника никогда не занимали в экспозициях видного места, их всегда отмечали любители живописи.

Кроме передвижных выставок Первухин участвовал в мероприятиях товарищества «36 художников», а затем примкнул к «Союзу русских художников», где выставлялся почти ежегодно. Молодые живописцы, образовавшие в 1903 году это новое объединение, отталкивались в своей практике от реалистических основ искусства передвижников. С ними Первухина связывали любовь к пейзажу, родной природе, интерес к новым световоздушным эффектам, открытых передовыми французскими импрессионистами.

В качестве иллюстратора Константин Константинович сотрудничал с журналами «Ежегодник императорских театров», «Живописное обозрение стран света», «Всемирная иллюстрация», «Новь». Увлекался фотографией, а в 1910 году был принят в члены Русского Фотографического общества.

С 1902 по 1912 годы Первухин преподавал академический рисунок в Императорском Строгановском Центральном художественно-промышленном училище, увлеченно работал, успевал выезжать в творческие командировки в Италию, останавливаясь преимущественно в Венеции. Художник попал под очарование этого города, восхищался его прозрачным воздухом, красотой каналов, колористическим богатством живописных уголков. В Венеции Константин Первухин написал множество картин и этюдов. В период с 1912 по 1914 годы он завершил ряд произведений, в настоящее время находящихся в собрании Государственного Русского музея: «Паруса», «Площадь святого Марка», «Утро. Вид на Большой канал и церковь Санта Мария делла Салюте», «Золото утра» и других.

К сожалению, Константин Константинович прожил недолгую жизнь, и в январе 1915 умер от туберкулеза в возрасте пятидесяти одного года. Прах художника захоронен на Донском кладбище в Москве.

На фото: © Иосиф Эммануилович Браз «Портрет Константина Первухина», 1902 год. Картины: © Государственная Третьяковская галерея, © Мордовский республиканский музей изобразительных искусств имени С. Д. Эрьзи, © Оренбургский областной музей изобразительных искусств, © Научно-исследовательский музей при Российской академии художеств, © Ярославский художественный музей, © Башкирский государственный художественный музей имени М. В. Нестерова, © Национальный художественный музей Республики Беларусь, © частная коллекция В. Дудакова.

Continue reading

Posted in Живопись | Tagged , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

«Waba Duba»

В заключительный день весны прислушаемся к ритмам и речитативам группы Yello: «Не держи меня за дурака, я всего лишь счастливый человек». Великолепные поп-дадаисты Борис Бланк и Дитер Мейер с композицией «Waba Duba», открывающей альбом «Point» (2020).

Posted in Музыка | Tagged , , , , , , , , , , | Leave a comment

Самые потрясающие библиотеки мира

В 2016 году в марокканском городе Фес вновь открылась старейшая в мире действующая библиотека, существующая с IX века нашей эры. Конечно, библиотеки появлялись и в более ранние времена, но факт такого исключительного долголетия и преемственности безмерно впечатляет. В своей новой книге «Temples of Books: Magnificent Libraries Around the World» («Храмы книг: Великолепные библиотеки со всего мира») журналистка Марианна Джулия Штраус рассказывает о самых потрясающих хранилищах разных стран.

Например, в залах библиотеки Жуанина при Университете Коимбры в Португалии обитает целая колония летучих мышей. Поскольку в ее стенах хранятся настоящие сокровища человеческой мысли, в том числе первое издание эпической поэмы «Лузиада» и латинская Библия 1492 года, летучие мыши помогают сохранить эти тома, бесшумно скользя по ночам вдоль стеллажей и уничтожая насекомых, которые наносят непоправимый вред старинной бумаге и пергаменту. И это лишь одна из десятков историй, содержащихся в богато иллюстрированной книге Марианны Штраус. Ниже я поместил изображения внутреннего убранства некоторых галерей, ведь их архитектура очень красива и необычна.

P.S. Кстати, кому интересно, можете обратить внимание также на изумительные снимки библиотек от португальского фотографа Массимо Листри, опубликованные в его книге «Massimo Listri: The World’s Most Beautiful Libraries XXL», выпущенной издательством «Taschen» в 2018 году.

Continue reading

Posted in Архитектура, Книги | Tagged , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Константин Райкин назначен ректором ВШСИ

Художественный руководитель театра «Сатирикон» Константин Райкин назначен ректором Высшей школы сценических искусств. При этом он останется и худруком школы. В ВУЗе отметили, что с вступлением Райкина в должность ректора завершился период правовой неопределенности, продолжавшийся в учреждении полтора года, но сейчас все юридические вопросы полностью урегулированы.

Также Райкин сообщил, что будет набирать студентов на свой смешанный актерско-режиссерский курс. «После долгого перерыва я набираю студентов на смешанный актерско-режиссерский курс под своим руководством. И впервые в мастерской Якова Ломкина заочно будут обучать синтетических артистов − артист драмы и артист мюзикла», − заявил он через пресс-службу ВШСИ.

Констпантин Райкин, фото: kino-teatr.ru / Arny

Высшая школа сценических искусств (ранее «Театральная школа Константина Райкина») − частное высшее учебное заведение, созданное в 2013 году. В ней проводится обучение по специальностям актерское искусство, актер театра кукол, режиссура театра, театроведение, технология художественного оформления спектаклей. Кроме того, школа занимается дополнительным образованием для специалистов учреждений искусств и культуры и дополнительного образования (подготовительные курсы) для поступающих в театральные вузы.

В апреле 2022 года стало известно, что тогдашний ректор ВШСИ Анатолий Полянкин уволил Райкина с поста художественного руководителя созданной им школы, упразднив этот пост. Студенческий совет заступился за Райкина и обратился за помощью в Рособрнадзор. Однако частный статус школы, которая не относится к ведению Министерства образования или Министерства культуры, не позволял чиновникам вмешаться в конфликт. Райкин сразу же проинформировал, что хотел бы передать свою театральную школу в ведение государства, но меценаты тут же стали отказываться от финансирования ВУЗа, в котором артисту не дают работать.

На этом фоне в апреле 2022 года стало известно, что Полянкин стал фигурантом уголовного дела о мошенничестве в особо крупном размере и суд поместил его под домашний арест. В основу дела легло заявление Константина Райкина, в котором утверждалось, что бывший ректор ВШСИ обманом заставил его подписать документы, согласно которым практически все активы, в том числе часть ТЦ «Райкин Плаза», театральная школа, гостиничный комплекс и другие, оказались под контролем господина Полянкина и людей, в интересах которых он мог действовать. В июне 2022 года Анатолий Полянкин скоропостижно умер. В мае того же года Константин Райкин стал исполняющим обязанности ректора ВШСИ.

Фото: © kino-teatr.ru / Arny.
Posted in Театр | Tagged , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Памяти Ильи Кабакова

27 мая на девяностом году жизни скончался Илья Иосифович Кабаков − советский и американский художник, представитель московского концептуализма. Его называют самым известным в мире современным художником из постсоветского пространства. Илья Кабаков прославился благодаря инсталляциям, в которых исследовал чувство отчужденности и скуки, характерное для советской повседневности. В последние три десятилетия художник жил в США и работал в соавторстве со своей женой Эмилией.

Работы Ильи Кабакова «Жук» ($5,8 млн, 2008) и «Номер люкс» ($4,1 млн, 2006) являются двумя самыми дорогими когда-либо проданными произведениями современного российского искусства (обе − аукцион «Phillips de Pury», Лондон).

Илья и Эмилия Кабаковы, фото: Jacques De Melo

«Искусство «реди-мейд» − втаскивания в выставочные залы и музеи предметов «низкой действительности» − началось в начале века, с Дюшана, и теперь это обычное, будничное дело. Так что открытия тут не сделано никакого. Но есть один оттенок, что называется, «нюанс», и отдавать этот «нюанс» мы никому не намерены («Чужой земли мы не хотим ни пяди, но и своей вершка не отдадим»). «Нюанс» состоит в следующем.

Все натуральные вещи, выставленные в музеях, хотя бы и через абсурд, выводят, высказывают какие-то особые, часто существенные стороны «бытия», а вещи «поп-арта» демонстрируют рекламы чего-то, что соответствует этим рекламам внутри магазина, обещают что-то реальное, на самом деле существующее. Нашим рекламам, призывам, объяснениям, указаниям, расписаниям − все это знают − никогда, нигде и ничто не соответствует в реальности. Это есть предмет чистого, завершенного на себя «ТЕКСТА» в точном смысле этого слова. Этот ТЕКСТ, о котором заведомо известно, что он никому не обращен, ничего не означает, ничему не соответствует, тем не менее очень много значит «сам по себе», и вот интерес, внимание, «работа» с этим текстом составляют особенность нашего обращения с этой изопродукцией. Это тем более важно, что этот текст пронизывает всю нашу жизнь, все здесь или говорят, или пишут, все пронизано текстами − инструкциями, приказами, призывами, объяснениями, так что мы можем нашу культуру назвать по преимуществу воспитательной, дидактической. Но было бы неосторожно считать, что эти тексты направлены на какой-то человеческий субъект, обращены к «советскому человеку». Феномен наш еще более уникален, чем это представляется с первого взгляда. Наши тексты обращены только к текстам, и любой текст есть ответ на текст предыдущий. В этом смысле у нас настоящая витгенштейновская герменевтика − и все мы живем внутри «единого Текста».

Если обратиться в этом смысле к разнице художественных принципов у нас и на Западе, ее можно сформулировать так: если на Западе выставляется «объект» как главное действующее лицо, а пространства вообще не существует, то «мы», возможно, должны, наоборот, выставлять «пространство», а уже потом помещать в него предметы. Это и теоретически, и практически приводит к необходимости создания особого вида инсталляции − инсталляции «тотальной».

Илья Кабаков (из интервью).

Фото: © Jacques De Melo.
Posted in События | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Выставка «Русский академический рисунок XVIII – начала XX века»

В залах графики основной экспозиции Третьяковской галереи открылась выставка «По ступеням мастерства. Русский академический рисунок XVIII − начала XX века». Проект знакомит зрителей с процессом обучения рисунку в российских художественных училищах и Академии художеств, хотя этот навык является основой любого вида изобразительного искусства и сегодня.

Экспозиция поделена на разделы, которые представляют разные учебные практики студентов Санкт-Петербургской Императорской Академии художеств, Московского училища живописи, ваяния и зодчества, а также мастерских различных педагогов.

А.Н. Горонович, копия с сепии К. П. Брюллова Исповедь русской девушки, 1830-40 гг., ГТГ.

На выставке представлены учебные рисунки Александра Иванова, Карла Брюллова, Ореста Кипренского, Ивана Крамского, Ильи Репина, Василия Поленова, Михаила Врубеля, Валентина Серова, Михаила Ларионова и многих других выдающихся художников. Зрители смогут ознакомиться с истоками творческой деятельности этих мастеров и понять, с чего начинался их путь. Большая часть произведений демонстрируется впервые.

Мероприятие проходит с 26 мая по 12 ноября 2023 года по адресу: Москва, Лаврушинский переулок, д. 10,  залы 49−54.

На фото: работа художника А. Н. Гороновича. Копия с сепии К. П. Брюллова «Исповедь русской девушки», 1830-40 гг., © ГТГ.
Posted in Выставки, Графика | Tagged , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Умер Zoom

24 мая скончался московский уличный художник, известный под ником Zoom. Причины его смерти не уточняются. Также остались в тайне настоящее имя и возраст артиста. Граффити и муралы Zoom’а чаще всего можно было встретить в районе Замоскворечья, где муниципальные службы, к сожалению, довольно быстро их закрашивали. Я дважды публиковал его работы на сайте − здесь и здесь.

Свою первую работу Zoom сделал в июле 2015 года, нарисовав в одном из московских дворов Винсента и Джулса из «Криминального чтива», которые держат селфи-палки вместо пистолетов.

«До этого я никогда не занимался уличным искусством. Что я только в жизни не делал − и в банке работал, и свое дело имел. Но у меня все время было ощущение, что я шел в темноте, держась за тоненькую ниточку и не зная, куда она меня выведет. Я совсем не согласен, что за последние годы стрит-арт прокачался и что власти идут нам навстречу. Я наблюдаю совершенно обратный процесс. Постоянно инспектирую город на велосипеде, улицу за улицей, − и вообще не вижу работ. А те вещи, что есть, − все заказные, и в основном очень убогого качества. Вот в Перми, в Екатеринбурге полно стрит-арта. Там люди от безысходности идут на улицу. А Москва − город, построенный на бабках, люди привыкли только за бабло что-то делать. Тут худо-бедно какую-то работу художнику и дизайнеру найти можно − логотипчики оформлять, рекламку. И на фига кому-то ночью вставать, надевать грязные штаны и переться в подворотню? 

Zoom "Репка", 2022 год

Зато из-за всеобщего интереса к стрит-арту власти поняли, что стены города − как телек. У меня нет никаких иллюзий по поводу уровня моих работ. Zoom представляет интерес только на фоне унылого кладбища, которым является Москва в смысле стрит-арта. Конечно, мне приятно, когда меня называют художником, но, если называть вещи своими именами, какой я художник? Художник − это Эгон Шиле, Ван Гог. А у меня и труба пониже, и дым пожиже. Да и задачи другие. Я просто деятель поп-культуры, уличный дизайнер. Делаю в некотором смысле китч. Я из себя ничего не пыжу, просто мне это в кайф», − говорил художник в 2016 году в интервью изданию «Афиша Daily».

Posted in Стрит-арт | Tagged , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Куклы Алены Абрамовой

Сказочные персонажи – популярная тема у художников-кукольников. Алена Абрамова из города Южа Ивановской области создает кукол, которые выглядят словно живые: с детально проработанными лицами, одетых в костюмы из винтажной ткани, украшенных кружевом и натуральными самоцветами. Многие ее работы сделаны в человеческий рост, как, например, новогодняя композиция «Дед Мороз и Снегурочка», выставленная в свое время в южском Доме ремесел. Алена вспоминает, что решилась на этот эксперимент, когда увидела в столице «Девочку-балерину», выполненную в натуральную величину. Сейчас в экспозиции музея Дома ремесел находится «Славянский дедушка» Алены Абрамовой, и его рост составляет 1 метр 65 сантиметров.

Для изготовления своих героев мастерица использует полимерную глину «Cernit». Формируя тело, она сначала делает каркас из арматуры или проволоки, а затем обматывает его поролоном и синтепоном. Всех, кто впервые видит персонажей художницы, поражают их удивительные лица, в чем-то схожие с внешними данными самой Алены. «В живописи и скульптуре реперные точки (например, расстояние от уголка глаза до носа, от линии волос до линии бровей) на лицах своих творений все авторы неосознанно расставляют на таком же расстоянии, как у себя», − объясняет этот феномен Алена. Но сходство не только внешнее: удивительно похожа на «мамину» и улыбка некоторых кукол − немного грустная. Глаза − это зеркало души, заметил кто-то из классиков. Несомненно, именно глаза придают образу особую глубину и человечность. Их художница заказывает у московского мастера, который специализируется только на этих деталях. Каждый глазок также делается из полимерной глины и заливается акриловой смолой.

Творит Алена исключительно по ночам: «Все уснут, и никто не мешает. А утром отправляю дочку в школу − и спать». Рисует, лепит, придумывает варианты украшений, подбирает материалы. Волосы для кукол использует только натуральные, покупает их в Интернете, а затем волосок за волоском вставляет в еще необожженный пластик при помощи обычной швейной иглы с обломанным ушком. На это уходит три-четыре дня двенадцатичасовой работы. Скульптурные части тела мастерица запекает в специальной духовке при температуре 130° С. Ногти изготавливает отдельно и закрепляет строительным феном.

Работая, Алена одновременно изучает мифологию и историю своих героев. Есть у нее и еще один секрет, как сделать, чтобы персонаж получился с душой: «Какие-то материалы должны быть аутентичны». Например, на платье «Русской красавицы» − пуговицы XV века, у «Индианки» все украшения заказаны в Индии, бусины для четок «Маленького Будды» куплены в Непале, а для «Хозяйки медной горы» художница специально приобрела целую корзину хризолитов и малахитов.

Кстати, всю одежду Алена тоже шьет сама. Создание кукол − процесс кропотливый: обычно, в месяц получается один большой или два маленьких персонажа. На сегодняшний день художница закончила уже более пятидесяти работ, многие из которых демонстрировались на российских и международных специализированных выставках, входят в частные и корпоративные коллекции.

Краткая справка. Алена Абрамова родилась в поселке Мугреевском Ивановской области. В возрасте десяти лет переехала с родителями на север, в город Мегион Тюменской области, где поступила в художественную школу с этнографическим уклоном. Получив аттестат о среднем образовании, поехала в Москву и сдала экзамены в Российскую международную академию туризма. Однако, проучившись три года, вернулась к бабушке в Южский район. «Начался дефолт 1998 года – учиться в столице стало очень дорого, − поясняет она. − И я решила поступить в Холуйское художественное училище». Здесь Алена получила специальность «художник-миниатюрист». В начале нулевых мастерила и расписывала шкатулки, ракушки, занималась иконописью. Сегодня, помимо авторской куклы, она создает колье, скульптурные композиции малой формы, бижутерию, женские кокошники и оплечья, предметы декора. Подробнее с творчеством Алены Абрамовой можно познакомиться здесь. Все фото: © livemaster.ru.

Continue reading

Posted in Куклы | Tagged , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Самая дорогая древняя монета

Золотая монета статер Пантикапея, названная так в честь древнегреческого города в современном Крыму, была продана за 4 400 000 швейцарских франков (6 миллионов долларов США) на аукционе «Numismatica Ars Classica» в Цюрихе. Официально она стала самой дорогой древней монетой, когда-либо реализованной на открытых торгах. Новым владельцем раритета стал частный коллекционер.

Ценность статера объясняется его качеством, редкостью и тем фактом, что количество подобных экземпляров крайне ограничено, поскольку большинство из них уже находятся в музеях.

Cтатер Пантикапея - самая дорогая древняя монета

Монета была отчеканена примерно в 340–25 гг. до н. э. На аверсе изображен сатир с широко раскрытыми глазами, а на реверсе − грифон, держащий копье в клюве. Считается, что присутствие сатира связано с царем Сатиром I, правившим греко-скифской империей в восточном Крыму с 432 по 389 г. до н. э.

Долгое время монета находилась в собрании Государственного Эрмитажа, но была продана в 1934 году советским правительством, чтобы собрать валюту для финансирования роста отечественной промышленности. Тогда монету приобрел французский промышленник Шарль Жилле, занимавшийся коллекционированием редких книг, мебели и предметов старины. Фото: © Numismatica Ars Classica AG.

Posted in Деньги | Tagged , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Григориана

«Чижик Джаз Квартет» играет «Григориану». Запись сделана во время фестиваля «Ударная Масленица» 2 марта 2014 года в концертном зале Мариинского театра. На сцене: Алексей Чижик – виброфон, Олег Белов – фортепиано, Виктор Савич – бас-гитара и Петр Михеев – ударные.

Posted in Весь этот джаз | Tagged , , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment