Бразильская художница Жулиана ЛеПине (Juliana LePine) живет и работает в Канаде. Она начала заниматься скульптурой в 2010 году, после того, как сделала оригинальный топпер для свадебного торта, который вызвал настоящий восторг у гостей. За короткий период времени Жулиана освоила технику керамики и лепки из полимерной глины, чтобы создавать реалистические скульптуры малой формы. Художница получила международную известность своими миниатюрными изображениями знаменитостей и в настоящее время ведет собственный канал на YouTube, в котором делится секретами мастерства и демонстрирует новые произведения. Посмотрим короткий видеоролик, показывающий этапы работы над полимерной фигуркой певицы Мадонны. Высота изделия 17 см, масштаб 1 к 10. Стоимость такой «куколки» − 1500 $. Cайт автора: www.julianalepine.com.br.
Создавая Мадонну
Выставка Ильи Репина
Главное культурное событие предстоящей недели: в Москве открылась ретроспективная выставка Ильи Ефимовича Репина (1844-1930). Как сообщает пресс-релиз музея, экспозиция демонстрирует произведения, созданные с 1870-х по конец 1920-х годов, и охватывает более чем пятидесятилетний период творчества мастера. Помимо хрестоматийных картин, известных всем с детства по школьным учебникам («Бурлаки на Волге», «Не ждали», «Запорожцы», «Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года» и других), будут показаны и малоизвестные работы, которые станут открытием для московской публики. Кстати, сам родоначальник одноименной галереи, меценат Павел Третьяков говорил: «Из всего, что у нас делается теперь, в будущем первое место займут работы Репина, будь это картина, портреты или просто этюды». И это правда. Смотреть Репина нужно обязательно. И не один раз. Выставка продлится с 16 марта по 18 августа 2019 года в залах Новой Третьяковки на Крымском Валу, д.10, залы 60–61, 80–82.
«На днях я слышал разговор художников, что у Репина в картинах и этюдах все фигуры некрасивые, что у него люди, украшенные против натуры; в этом, пожалуй, есть доля правды. В прежнем «Крестном ходе» была одна-единственная фигура − благообразная девушка, и ту вы уничтожили; мне кажется, было бы очень хорошо на место бабы с футляром поместить прекрасную молодую девушку, которая несла бы этот футляр с верою и даже с восторгом (не забудьте, что это прежний «ход», а и теперь еще есть глубоко верующие); вообще избегните всего карикатурного и проникните все фигуры верою, тогда это будет действительно глубоко русская картина!». Павел Третьяков
Пешеходные соты
В нью-йоркском районе Хадсон-Ярдс вчера открылась масштабная пешеходная конструкция, разработанная британским дизайнером Томасом Хизервиком (Thomas Heatherwick). Эта постройка, похожая на медные соты, позиционируется разработчиками, как нечто среднее между скульптурой, архитектурой и «предметом обстановки». Руководитель и партнер группы «Heatherwick Studio» Стюарт Вуд (Stuart Wood) заявил: «Люди часто спрашивают нас, для чего это нужно? Это смотровая площадка? Куда вы стремитесь? Это не здание, это не скульптура, это не произведение искусства, и все же оно имеет масштаб и актуальность для всех этих типологий… В некотором смысле, мы думаем об этом как о предмете мебели. Им будут постоянно пользоваться, что вполне естественно». Конструкция под открытым небом, которая временно называется «Vessel» («Судно»), представляет собой лабиринт из ста пятидесяти четырех пересекающихся лестничных клеток и восьмидесяти площадок, которые объединяются в сотовую форму. Нижняя часть структуры узкая, ширина ее верхней части достигает сорока шести метров. Выглядит все это очень впечатляюще. Фото: © Майкл Моран (Michael Moran).
Сергей Попов: «Сопротивляйся, не сопротивляйся – все равно современное искусство нас всех настигнет»
Основатель московской галереи «Pop/off/art» Сергей Попов рассказывает о том, как устроен современный арт-рынок и что нужно художнику, чтобы на нем преуспеть. Полностью материал опубликован ИД «Компаньон». Беседовала с галеристом редактор отдела культуры издания Юлия Баталина.
«Галерея − это не выставочный зал, не фонд, связанный с искусством. Это место для торговли произведениями искусства, но не художественный салон, где можно продавать все что угодно: в галерее продажи происходят по очень строгим международным принципам. Мы продаем только работы определенных художников, определенный тип современного искусства. Галерея − это такой продюсерский центр для художников. Наша галерея «Pop/off/art» находится на «Винзаводе», в одном из лучших, я считаю, помещений для современного искусства, спроектированном Александром Бродским. В нашем «портфеле» более тридцати художников, Касаткин − старейший из них, часть художников − зарубежные, потому что мы видим свою задачу в том, чтобы показывать также восточноевропейское и постсоветское искусство.
Как вы принимаете решение начать работать с каким-то художником?
Это очень хороший вопрос, на который немного сложно ответить, потому что я − как сороконожка, которая не задумывается, почему она шевелит всеми этими ногами. Конечно, на таком уровне, на котором сейчас находится наша галерея, для принятия решений никаких интуитивных возможностей уже не остается. Решение о новом художнике принимается коллективно. Должны согласиться партнер галереи − моя жена − и наш директор. Мы принимаем в свой пул не более одного художника в год (потому что у нас художников достаточно много), и, как правило, это молодой автор. С учетом того, что новых художников появляются сотни каждый год − мы мониторим и Россию, и зарубежные страны, − это, конечно, очень мало, но так и должно быть. В Европе, где рынки гораздо более развиты, молодой художник вообще не может войти в галерею серьезного уровня − подобную нашей. Он может только попасть в резидентные или проектные программы при галерее, и, если он будет с десяток лет совершенствоваться и крутиться в этом механизме, у него появится хороший шанс попасть и в саму галерею тоже. Галереи выводят на рынок уже готовых к этому, абсолютно топовых художников. Чтобы сотрудничать с нами, художник должен совмещать в себе совершенно невероятный набор качеств. Он должен делать что-то новое и уникальное, как правило, в разных видах искусства. Мы должны видеть его огромную перспективу развития. Как правило, художники блестяще знают английский язык и еще изучают один-два языка, они способны очень артикулированно говорить о своем творчестве и задавать связь своего творчества с проблематикой антропологической, философской, технологической. То есть это должен быть в буквальном смысле мастер на все руки! Он должен адекватно понимать экономические реалии рынка. Попадание в галерею еще не означает автоматически, что ты становишься преуспевающим, востребованным художником. Это означает только, что галерея может позволить сфокусировать на художнике гораздо большее число взглядов, чем он или она смогут заработать без галереи. Continue reading
Роман Гринёв
3 ноября 2018 года в Москве трагически погиб известный российский джазовый бас-гитарист Роман Гринёв. Послушаем фанковую композицию «Считалка / The Counting Rhyme» в исполнении Романа Гринёва и группы «Funk You». Играют: Роман Гринёв − бас-гитара, Антон Дашкин − барабаны, Рост Кочетов − труба, Павел Мартыненко − гитара, Роман Соколов − саксофон, Александр Староверов − гитара, Егор Шаманин − саксофон, Анна Шлёнская − перкуссия.
Фото: © Роман Гринев / © www.jazz.ru.
Банкнота Бэнкси
После скандала с самоуничтожающейся картиной Бэнкси «Девочка с воздушным шаром» (2006), акции художника резко возросли в цене. Сегодня Бэнкси − не только один из самых известных активистов стрит-арта, но и источник выгодного капиталовложения для инвесторов и коллекционеров. Даже респектабельный The British Museum не погнушался приобретением тиражного экспоната Бэнкси − фальшивой банкноты в 10 фунтов стерлингов, изготовленной офсетно-литографским способом еще в 2004 году. Работа, выполненная на бумаге размером 14,6 × 7,6 см, имитирует изъятую ныне из обращения английскую денежную купюру, однако вместо королевы Елизаветы II на ней изображена покойная принцесса Диана, а вместо привычной надписи «Bank of England» сверху выведено «Banksy of England». Художник напечатал сто тысяч экземпляров таких купюр, изначально планируя устроить перформанс с разбрасыванием денег с крыши здания. В настоящее время фальшивые банкноты продаются на eBay по цене от 1,99 до 750 фунтов. Экспонат, приобретенный для коллекции Британского музея, назван «Di-faced Tenner». Он преподнесен от имени «Pest Control Office», организации, представляющей интересы Бэнкси и сертифицирующей его произведения. Любопытно, что подарок передали в отдел монет и медалей, а не в отдел гравюр и рисунков. По словам пресс-секретаря The British Museum, экспонировать «Di-faced Tenner» пока не планируется. При этом Том Хокенхалл (Tom Hockenhull), куратор отдела современных денежных знаков, включил изображение работы в последний номер музейного журнала.
Photo: © Banksy Courtesy of Pest Control Office / © The Guardian.
Говорит Флеминский
Из цикла «Художник говорит».
«Искусство не имеет прямых воспитательных функций. Оно − часть культуры, а культура это пища для души. В этом смысле искусство опосредовано взращивает души. И художник, прежде всего, взращивает свою душу. Если он будет думать о зрителе, заботиться, прежде всего, о воздействии своего искусства на зрителя, то он − сноб, и берет на себя антитолерантные задачи. Мы живем в визуальную эпоху. Современный человек видит так много изображений, что эмоциональная и интеллектуальная ценность каждой картинки стремиться стать ничтожной. Но в то же время такая насмотренность на бессознательном уровне повышает визуальную культуру и повышает требования к изображению. Поэтому потребность в визуальном творчестве и сотворчестве у современного человека возрастает. Чем больше видит человек визуальных образов, тем сильнее в нем тяга найти среди них то, что его радует, придает энергии, силы, вдохновения, освобождает от штампов мышления, что созвучно его душе. Я не думаю, что художнику обязательно нужно ставить себе задачу отразить как можно точнее свое время. Это невозможно, потому что мы живем в очень сложном, противоречивом и многогранном культурном мире. Мировой культурой накоплено очень много богатства, так что нельзя говорить об окончательной смерти стиля или искусства какой-то эпохи. В каких-то современных культурных кластерах (и не всегда это ретроградство и эпигонство) это до сих пор живо, и рождает у людей полноценные чувства и размышления. Зачастую, и история искусства знает немало тому примеров, как почти забытое, вновь становиться востребованным и возрождается в новом обновленном виде (Ренессанс). Очевидно, что ни один художник сейчас не может претендовать на отражение дня сегодняшнего. Художнику нужно лишь наиболее полно познать себя и раскрыть свои способности. Обратная связь со зрителем может и помешать и помочь в этом. Все зависит от мудрости художника».
Эдуард Флеминский, российский художник. Фото: © Фейсбук автора.
Цветение сакуры одним взмахом
Японцы славятся умением сочетать передовые технологии с многовековыми культурными традициями. Этой весной художественно-техническая студия «teamLab» представила новую световую инсталляцию «Forest of Resonating Lamps − One Stroke, Cherry Blossoms», что можно перевести как «Лес резонирующих ламп − цветение сакуры одним взмахом». Работа заняла целый павильон в музее цифрового искусства «Lab Borderless» в Токио. Зрители имели возможность пройтись по зеркальному залу, наполненному лампами из цветного стекла, которые реагируют на движение человека, испуская свет, резонирующий с соседними лампами. Пространство, созданное художниками «teamLab» и композитором Хидеаки Такахаши (Hideaki Takahashi) кажется абсолютно сюрреалистическим. Лампы, развешенные в шахматном порядке обеспечивает визуально стимулирующее и одновременно − успокаивающее действие. Нужно отметить, что при создании инсталляции разработчики вдохновлялись японской традицией «касане но ироме», древним искусством правильного расслоения одежды для получения определенных цветовых оттенков и узоров. Буквально означая «слои цвета», этот термин определял схемы, создаваемые наслоением шелка в традиционных костюмах Японии эпохи Хэйан (с 794 по 1185 годы). Шелк в те времена был настолько тонким и прозрачным, что комбинировался с цветом подкладки, создавая новые градации и нюансы. Подобно игре прозрачного шелке, лампы на этой выставке то ярко светятся, то тускнеют, передавая эфемерную красоту нежных оттенков цветущей вишни.
Инсценировка тишины
«Вот так, подобно призракам без плоти,
Когда-нибудь растают, словно дым,
И тучами увенчанные горы,
И горделивые дворцы и храмы,
И даже весь − о да, весь шар земной.
И как от этих бестелесных масок,
От них не сохранится и следа.
Мы созданы из вещества того же,
Что наши сны. И сном окружена
Вся наша маленькая жизнь».
Уильям Шекспир «Буря»
C 23 февраля по 6 апреля этого года в нью-йоркской галерее Марианны Боэски («Marianne Boesky Gallery») проходит персональная выставка брюссельского скульптора Ханса Оп де Бека (Hans Op de Beeck). В рамках экспозиции представлен третий по счету фильм художника из серии «Инсценировка тишины» («Staging Silence») и показано несколько новых скульптурных работ, центральной из которых стала композиция «Моя кровать − плот, комната − море, а потом я засмеялась над мраком во мне» («My bed a raft, the room the sea, and then I laughed some gloom in me»). Как обычно, Ханс Оп де Бек придерживается монохромной палитры в своем творчестве, что придает особый, сюрреалистический шарм его произведениям. Новая композиция установлена на круглом постаменте со стеклянной отделкой, имитирующей гладь пруда, усеянного кувшинками. Скульптура изображает спящую девочку с отложенной книгой, ее кровать держится на деревянном плоту, на прикроватном столике − книги, чашка, таблетки, ягоды, фломастер. Зал, в котором демонстрируется работа, также выдержан в оттенках серого, и зрителям волей-неволей приходится перенестись в некий потусторонний мир, лишенный цвета, чтобы безмолвно наблюдать за снами, рожденными воображением художника. Фото: © Marianne Boesky Gallery / Object Studies.
Охота
Фотограф Шон Скотт (Sean Scott) провел несколько часов на пляже возле Ред-Блафф в Западной Австралии, карауля группу китовых акул, привлеченную в прибрежные воды косяками рыбы. Этот драматический кадр Скотту удалось получить с берега, когда две особи проплывали сквозь огромную волну. С другими работами австралийца вы можете познакомиться на его персональном сайте: www.seanscottphotography.com.au.
