Почему «выставка-блокбастер» – это плохо

Софья Багдасарова авторитетно и доходчиво все объяснила:

«Опять пришла рассылка, где в заголовке «открылась выставка-блокбастер», и это начало немного уже утомлять.

Давайте поговорим про слово «блокбастер» относительно выставок. С середины XX века так называют фильмы, которые ошеломили публику словно бомба («blockbuster»), сорвав кассу. Бюджет съемок мог быть маленьким. (Фильмы с гигантским бюджетом, которые провалились, называют «box-office bomb», тоже с военным душком). Затем «блокбастерами» стали звать фильмы, которые сразу снимаются с гигантским бюджетом в расчете на еще больший успех.

Слово «блокбастер» стало паразитом, особенно у российских журналистов. Им стали обзывать все дорогое. Но не кажется ли вам, что это слово − дико пошлое, когда покидает сферу кино? Я предпочту не ходить на «оперу-блокбастер» или на «пьесу-блокбастер». «Книга-блокбастер» − это Дэн Браун, даже про Гарри Поттера так не говорят, он выше этого, при всем своем популизме. «Ледовое шоу-блокбастер», окей, так уж быть, оставьте (кому надо).

Что сегодня обзывают «выставкой-блокбастером»?
а) в крупном или видном музее;
б) потратили много денег на застройку;
в) тема, которая гарантированно привлекает публику;
г) набрали много экспонатов и заняли много места;
д) потратили много денег на рекламу;
е) аншлаг публики (иногда лишь планируемый).

Самый главный пункт − «в». Если тема выбрана правильно, остальное уже не особо важно для успеха: Древний Египет, Виктор Васнецов, братья Морозовы − народ будет рваться на выставку, опираясь лишь на заголовок.

Заголовок «открылась выставка-блокбастер», на мой взгляд, это нонсенс − ты не знаешь, действительно ли она порвет конкурентов.

Добавлю, что в случае с выставками «блокбастерность» не является признаком коммерческой прибыли. Чтобы сделать первоклассную выставку, нужен большой бюджет. 100 млн рублей, 200 и далее. Выставки, хотя и приносят прибыль, не окупаются практически никогда.

То есть ключевые параметры − это шум о выставке в СМИ и соцсетях (имитация деятельности) и число посетителей. Именно это, судя по всему, делает выставку «блокбастером». А не настоящее качество.

Требование министерством от музея «делать только блокбастеры» − это уничтожение настоящей культуры, ее принижение, превращение в продажное. Потому что любой продукт, который создается с прицелом на успех у максимально широкой аудитории, параллельно теряет глубину. Он неизбежно опошлен и упрощен. Этот термин хорош для кинобизнеса, а не для музеев.

Откуда ползет выражение «выставка-блокбастер»? От людей, обслуживающих ее информационно. Так проект легче продать. Ты делаешь файлик с презентацией, и для инвестора, который понимает лишь в бабосах, лепишь туда ВЫСТАВКА-БЛОКБАСТЕР!!! Ты защищаешь проект перед чиновниками, и им поёшь песню с тем же припевом. Потому что нормальных доводов они не понимают, только рост в процентах. Потом перед вернисажем пиарщики, нередко юные девы, копирайтеры без опыта или вкуса, лепят это же «выставка-блокбастер!!!» в пресс-релиз. А журналисты с удовольствием забирают это в свои тексты. Ведь это кликбейт, а народ обожает кликбейт.

В нашу эпоху имитации деятельности именно цифры (часто дутые) − это главный критерий успеха. Что очень жалко. Потому что хорошая выставка − это еще и долгая подготовка (более 1-2 лет), большая научная работа, выпуск каталога, сотрудничество с другими музеями, параллельная образовательная и развлекательная программа, качественные сувениры. Интересная подача темы, раскрытие ее новых нюансов, неожиданный кураторский подход, умная работа архитектора выставки. Такова была, например, «Мечты о свободе. Романтизм в России и Германии», и мне эстетически неприятно, что выдача Яндекса и ее называет «выставкой-блокбастером».

Мне кажется, корректно и правильно именовать «блокбастерами» только те выставки, которые действительно стали феноменами. Типа Серова в Третьяковке, когда толпы реально ломали двери музея. А не все подряд выставки в крупных музеях, у которых есть привлекательная для публики тема.

Так что вот моя просьба: давайте не будем употреблять выражение «выставка-блокбастер» как комплимент». Источник.

UPD: Журналист и искусствовед Ксения Коробейникова добавила: «Из-за отсутствия выставочной госполитики на всех уровнях с музеев требуют так называемые «блокбастеры» и неадекватное количество выставок. Это создает проблемы, разрушает музейные процессы и приведет музеи России к плачевному результату. Музеи − это не развлекательные организации, а научные и просветительские институции. Но кто-то считает их выставочными комбинатами и устанавливает им норматив в 15-20 выставок. Тем самым пускает в трубу госбюджет.

Музеи − в зависимости от их размера − могут сделать в год от 3 до 6-9 качественных выставок, не истощая при этом ресурсы. Нельзя ждать от музеев продуктивность индийских киностудий. Болливуд − это тоже хорошо, но Канны он не возьмет. Так и с музеями: вы хотите опустить их до уровня массового зрителя или все-таки его приподнять на уровень музея?

Когда руководство требует − сделайте нам «блокбастеры», оно должно выдать мегабюджет, привлечь экспертов со стороны и дать время на исследование. А без этого почти весь музей как умалишенный пашет на «блокбастер», забросив основную и наиболее важную научную деятельность.

Без развития науки в музее все сведется к безыдейным показам первых имен и тематическим или групповым выставкам, которые без сильной концепции выезжают максимум за счет хорошего дизайна. Если не изучать коллекции − не будет глубоких и новаторских исследований, конференций и выставок первого ряда. Можно еще называть их выставками-событиями, года, сезона, но не «блокбастерами».

Для решения проблемы надо пересмотреть KPI по количеству выставок. Чтобы их не плодили для залатывания дыр, а создавали, когда созрела идея и концепция. Если материал и повод весомы, то можно сделать из этого событие, подключив региональные музеи. Так, чтобы у проекта была долгая жизнь, но разная: в столице − одна интерпретация, в регионах − вторая и третья. Тогда и зрителям будет интересно посмотреть каждую выставку − как сериал, а еще углубить знания по теме и проехать заодно по стране». Источник.

Posted in Выставки, Критика | Tagged , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Реставратор подозревается в массовом изготовлении фальшивок

На севере Рима обнаружена подпольная мастерская по изготовлению поддельных картин Рембрандта, Пикассо и Уорхола. Операцию провели сотрудники прокуратуры и корпуса карабинеров по защите культурного наследия. В мошенничестве подозревается местный реставратор, имя которого не называется.

Итальянская полиция изъяла 71 картину на разных стадиях завершения, а также сотни материалов для живописи, художественные каталоги, поддельные сертификаты подлинности, а также печати ныне не существующих коллекций и галерей. Фальсификаты продавались на онлайн-площадках типа eBay и Catawiki − аукционной платформе, специализирующейся на искусстве и предметах коллекционирования. Сообщается, что полицейские уже давно отслеживают сайты продаж, где реализуются сотни картин с поддельными подписями художников XIX и XX веков. Как давно реставратор начал свою преступную деятельность, кто его сообщники и какова была выручка от фальшивок пока не известно.

Фото: © Carabinieri Cultural Heritage protection squad /© Reuters.
Posted in Плагиат | Tagged , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Жена Джеффа Кунса дебютирует с выставкой скульптур

В нью-йоркской галерее «Salon 94» сегодня открывается выставка скульптур Джастин Уилер Кунс (Justine Wheeler Koons) – супруги всемирно известного Джеффа Кунса. Это первая персональная выставка Джастин, ставшая для нее своего рода терапией и самопознанием. Экспозиция, названная «Миф» («Myth») включает 12 скульптур из глазурованной керамики, созданных в 2024 году и чуть ранее.

В каталоге сказано, что работы представляют собой «личную археологию», а процесс творчества был похож на «путешествие с целью выявить то, что находится внутри, скрыто под массой накопленного опыта». Это только кажется, что жизнь жены одного из самых богатых художников в мире, матери шестерых детей − похожа на сказку. Женская доля Джастин не лишена печалей и забот. По ее собственному признанию, искусством она спасалась от послеродовых депрессий и монотонной жизни многодетной мамы.

Джастин Кунс, урожденная Уилер, родилась в Йоханнесбурге (Южная Африка). После окончания художественного факультета в Университете Витватерсранда она участвовала в первой Йоханнесбургской биеннале 1994 года, где познакомилась с несколькими американскими художниками, которые убедили ее посетить США.

В 1995 году она переехала в Нью-Йорк, где погрузилась в местную артистическую среду. В девяностые она занималась изобразительным искусством, участвовала в выставках и организовывала их. Джастин познакомилась с Джеффом Кунсом осенью 1995 года, когда стала работать в его мастерской сначала в качестве ассистента, а затем и руководителя отдела скульптуры. В ее подчинении была команда из ста человек, занимавшаяся реализацией культовой серии Кунса «Celebration» − тюльпанов, воздушных шаров и скульптур «Play-Doh». Когда Джастин не была занята контролем за делами студии, то продолжала создавать собственные скульптуры, украшения и картины. Джастин и Джефф поженились в 2002 году, в течение десятилетия у них родились шестеро детей. В 2012 году, после рождения последнего сына, женщина стала бороться с послеродовой депрессией, активно обратившись к творчеству: «Мне нужно было как-то спасаться, и единственный способ, который я знала − это вернуться в студию».

С 2017 года Джастин работает с керамикой и камнем. Она часто изображает женские фигуры, вдохновляясь мифологией и историей античного искусства: амазонками, венерами, обнаженными торсами классических статуй. Подобно Афродите, родившейся из морской пены, работы художницы предполагают постоянный обмен точками зрения между пластическим образом и окружающей средой.

Помимо скульптурной практики, Джастин Уилер Кунс известна также собственной линейкой ювелирных украшений «Gus & Al», созданных в 2015 году совместно с Элисон Брокау (Alison Brokaw).

Continue reading

Posted in Выставки, Скульптура | Tagged , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Об авторских отчислениях

Директор Театра им. Е. Вахтангова Кирилл Крок пишет в своем Телеграм-канале:

«Сижу вот в театре и думаю: Гоголю сюжет «Мертвых душ» подсказал Пушкин, мне идеи подкидывает Российское авторское общество. Ежемесячно мы подписываем с ним расчетные листы на выплату вознаграждения нашим дорогим авторам − художникам, композиторам, переводчикам, драматургам и так далее. Каждый раз за этими листами приходит одна барышня. Давеча интересуюсь у нее:

− Моя дорогая, ежемесячно мы выплачиваем авторские отчисления народному художнику Грузии Мирону Швелидзе, что оформлял у нас «Ричарда III». Выплачиваем же?

Она на голубом глазу согласно кивает.

− А зачем они, − говорю, − прости Господи, ему нужны, если человек вот уже как несколько лет помер?! Или я чего-то не знаю, и теперь и на том свете карманы появились?

Взгляд девушки становится необычайно выразительным.

− Человек, − говорю, − всегда жил в Тбилиси, банковская система сейчас не позволяет делать переводы в Грузию. И потом, вы нашли родственников? Кто-то вступил в права наследия?

В ответ девушка умно и красиво молчит. Как будто что-то знает.

− Ладно, − продолжаю я, − а вот мне еще интересна ситуация по художнику из другой страны, с которой тоже нарушена система банковской связи. Она получает отчисления?

Вопрос также повисает в воздухе.

− Знаете что, совсем не дорогая сотрудница «Театрального Агента», вы еще та вороватая контора! Я всегда говорил, что вы какая-то мутная, нечестная и порой ненужная организация. Пока вы мне не покажете документы, кто правонаследник вот этих двух людей, я деньги за декабрь 2024 года на них вам перечислять не буду.

Гостья, преисполненная собственного достоинства, удаляется. А я сижу гордый, сейчас они быстро все поправят, а там глядишь, еще и в знак благодарности − спасибо скажут…

И знаете, дождался. Прислали. Письмо от исполнительного директора РАО Алексея Карелова (кто это − не знаю, и знать не хочу!) что в соответствии со статьей такой-то ГК РФ они мне направляют расчетные листы, просят подписать и оплатить.

Письмо РАО К. Кроку, фото: t.me/kirill_krok.

Несколько раз перевернул страницу, пять раз перечитал. Ни спасибо тебе, ничего… Ах вы думаю, эдакие сякие, к гражданскому кодексу они апеллируют! О законах вспомнили. При этом начисто забыли, что история РАО увешена уголовными делами, как елка игрушками в новогоднюю ночь. Все мы еще помним тот грандиозный скандал, как один из директоров РАО на пару со своей мамашей скупили себе в Европе особняки на деньги авторов. Помним многочисленные претензии налоговой службы РФ о невыплате налогов РАО и так далее.

Вот так, думаю, делай людям добро! Мало мне своей работы, еще и за них делай. Не поленился, в общем, нашел правопреемников.

У народного художника Мирона Швелидзе есть сын, связался с ним, спрашиваю:− Вы от российского РАО получаете отчисления?
− Нет, − отвечает, − как папа умер, ничего не получаю.
− Быть того, − говорю, − не может?! Чтобы РАО да позволило себе такое?! Вот хоть режьте, не поверю, верно запамятовали?!
− Честно, − говорит, − вот уже несколько лет ни копейки.

Звоню другой художнице, интересуюсь, как жизнь, здоровье?
− Да все хорошо в целом, Кирилл Игоревич, − отвечает она мне, − вот только РАО уже несколько лет ничего не перечисляет.

Поплакались мы друг другу, да и заключил с ними напрямую договора. Оформили все документы и сегодня я их направил в РАО. Тут и басенке конец. А моим коллегам-директорам – хороший лайфхак.

Пожалуйста работайте напрямую с авторами сами, нужны консультации − пишите, звоните − всегда помогу, не нужен нам с вами бестолковый «Театральный Агент», во главе с бывшей директрисой мебельного салона, еще та девушка».

Источник.  Фото: © Кирилл Крок.
Posted in Бизнес, Деньги, Критика, Театр | Tagged , , , , , , , , , , | Leave a comment

Изображая воздух

В Музее русского импрессионизма открылась выставка «Изображая воздух. Русский импрессионизм». 150 произведений более семидесяти отечественных художников заняли все три этажа музея, на время вытеснив даже постоянную экспозицию. Представлены работы таких мастеров как Константин Коровин, Игорь Грабарь, Петр Кончаловский, Илья Машков, Абрам Архипов, Николай Мещерин, Константин Юон и др. В таком объеме и многообразии русский импрессионизм в этих стенах еще не показывали − настоящим проектом музей отмечает собственный десятилетний юбилей. Рекомендую всем любителям живописи.

Работа Лукиана Попова «В саду» («Чаепитие»), 1911 год, Оренбургский областной музей изобразительных искусств

Лукиан Попов «В саду» («Чаепитие»), 1911 г., Оренбургский областной музей изобразительных искусств.

Напомню адрес музея: Москва, Ленинградский проспект, дом 15, строение 11. (м. Белорусская). Выставка продлится до 1 июня 2025 года.

Фото: © Василий Буланов / МРИ.
Posted in Выставки, Живопись | Tagged , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Говорит Кожин

Из цикла «Художник говорит».

«Арт-рынок работает по тем же законам, что и любой другой: если твои работы продаются, тебе рады. Особенно на солидных платформах. Их цель − свести покупателя с художником и заработать свой процент на оказании этой услуги. Некоторые галереи действительно проводят жесткую селекцию, требуя заполнения специальных анкет. А кое-где даже запрашивают экспертную оценку для подтверждения установленной художником цены. Разумеется, есть и оборотная сторона: участие в коммерческой выставке не гарантия, что работы купят. Художнику наверняка пообещают, что проведут маркетинговую кампанию, но в договоре об этом могут «забыть», как говорится − читайте мелкий шрифт. При возникновении нештатных ситуаций − полотно повредили, раму разбили − большинство платформ всеми силами стараются снять с себя ответственность.

Впрочем, арт-рынок никогда не был райским садом: издательства с удовольствием использовали репродукции картин без указания авторства, лично я сам несколько раз с этим сталкивался. И сами картины, бывало, растворялись в тумане, а потом некто выходил на меня с предложением выкупить на аукционе. И в Штатах, и в Европе абсолютно в порядке вещей присвоить похищенному полотну другое название и прокрутить несколько раз через публичные аукционы. При таком раскладе даже с помощью опытного юриста крайне сложно доказать, что это твоя работа. Более того, наличие судебного решения в твою пользу само по себе не является гарантией, что оно будет исполнено.

Художник Семен Кожин, фото: sammlung.ru

Есть художники, у которых сложился пул коллекционеров. Они пишут не очень много, продают работы через соцсети, доверяя проверенным клиентам и людям, которым их рекомендовали. Однако теперь и это не панацея, поскольку легко нарваться на мошенничество при взломе аккаунта через фишинговую ссылку.

Мои работы были представлены во многих зарубежных галереях − «Singulart», «Saatchi Art», «Artfinder», «Fine Art America», − так что судить о происходящем я могу по собственному опыту. Обстановка начала меняться во время пандемии, и процесс этот продолжается до сих пор. Правда, тогда ограничения были общими для всех, и самыми сложными оказались проблемы с логистикой − туда не впускают, отсюда не выпускают. Произошел резкий скачок интернет-продаж, и все решили, что это оптимальное решение проблемы.

А потом наступил 2022 год и подавляющее большинство зарубежных галерей попросило российских авторов, что называется, на выход, буквально через пару недель после начала СВО. С аукционов сняли уже заявленные картины, доступ к работам, размещенным на сайтах, заблокировали. Одни площадки прекращали сотрудничество в самой грубой форме, другие пытались держать лицо, уверяя, что мы расстаемся «до лучших времен», третьи откровенно заявляли, что стоит мне покинуть страну, как они тут же восстановят меня в правах. Карательных мер не избежали и художники, много лет живущие за рубежом и считающие себя гражданами мира. Платформы, не желающие совсем прекращать сотрудничество с нашими мастерами, ограничивают в правах иначе, к примеру не дают размещать рекламу или вводят платную подписку на свои услуги. Галереи делают хуже только себе: теряют и доверие, и художников, и, самое главное, потенциальных покупателей. К примеру, платформа «Singulart» уже закрывает свои филиалы. Дело в том, что все эти санкции не прописаны в юридических нормах принимавших их государств, так что рано или поздно галереям придется иметь дело с судебными исками.

Сегодня, если ты не хочешь «писать в стол», нужно учиться составлять бизнес-планы, просчитывать риски, продумывать стратегию переговоров с музейщиками, меценатами, спонсорами. Это очень важно. Многим трудно преодолеть психологический барьер и представить деловому человеку свое творчество − возникает ощущение, что ты просишь милостыню. А ведь бизнесмен смотрит на ситуацию иначе − он готов вложить средства в то ценное, чем ты обладаешь. Да, в этом случае мозги работают в другом режиме, но это и хорошо.

Прежняя, тщательно отлаженная логистическая система развалилась на глазах. Раньше можно было положиться на «DHL», сегодня этот оператор работает только на вывоз грузов из России. Мало того, катастрофически выросли тарифы: на перевозки между Европой и Америкой они на порядок ниже, и если американский художник может сам оплатить эти сто долларов, не включая их в стоимость картины, то российский, которому нужно выложить в десять раз больше, подумает дважды. Налицо недобросовестное конкурентное преимущество. Логистика − самая рискованная часть процесса продажи. Далеко не у всех транспортных компаний есть четкие правила приема хрупкого груза к отправке. Его нельзя перевозить без жесткой упаковки, но нередко грузчики просто ленятся делать обрешетку.

Раньше главным поставщиком качественного багета была Чехия, откуда мы сегодня не получаем ни лучинки. Найти багет аналогичного качества не так просто. Ну, и цены, естественно, взлетели до небес. Казалось бы, у нас с древесиной проблем быть не должно, но отечественные предприятия не торопятся занимать освободившуюся нишу.

Интересы у потенциального покупателя и обычного посетителя разные. Первый выбирает произведение, которое собирается вписать в свою повседневную жизнь, второй приходит за эмоциями или из любопытства. Публика, кстати, тоже постепенно меняется − усталость от деструктива в искусстве, причем в самых разных его областях, проявляется все заметнее. Деструктив хорош как пряная нота в привычной пище. Когда точно знаешь, что голодным не останешься, можно и поэкспериментировать со вкусами. А вот когда входишь в зону турбулентности, хочется чего-то правильного, предсказуемого и надежного.

Знаю художников, оставивших творчество именно из желания надежности. Творчество требует не только способностей, но и чувства ответственности, умения держать удар, которому хорошо учиться у людей бизнеса. Они на собственном опыте знают, что любое дело развивается через спады и подъемы, многие проходят через крах и банкротство, бывает, что и не по одному разу, но находят в себе силы начать все с начала. Творческие кризисы − то же банкротство, из которого нужно выбраться и снова встать к мольберту».

Интервью с художником проводилось в рамках Национальной платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданной благодаря поддержке Президентского фонда культурных инициатив.

Семен Леонидович Кожин (1979 г.р.) − российский живописец и график.

Фото: © архив Семена Кожина.
Posted in Художник говорит | Tagged , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Птичий фотограф 2024 года

В 2024 году натуралисты со всего мира прислали на конкурс «Bird Photographer of the Year» более двадцати трех тысяч фотографий, демонстрирующих красоту и особенности жизни птиц. Отобрал четырнадцать наиболее понравившихся мне снимков. А абсолютным победителем жюри стала фотография «Когда миры сталкиваются» Патрисии Хомонило. Впечатляющее изображение более четырех тысяч птиц, погибших при столкновении с окнами в Торонто. Источник.

Continue reading

Posted in Фотография | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

Портрет дворянки в профиль

Редкая картина эпохи Ренессанса продана на прошлой неделе с открытых торгов за 3,1 миллиона долларов. До XVIII века она находилась в коллекции живописи Кастельбарко и считалась работой самого Леонардо да Винчи. Позднее установили, что автором картины был итальянский художник Бернардино де Конти (Bernardino de’ Conti). Сейчас его имя не так известно, как имя Леонардо, но в Милане XVI века он был заметной фигурой в художественных кругах. Возможно, он учился у Амброджио де Предиса, поскольку манера их живописи весьма схожа.

Портрет элегантно одетой дворянки в профиль (ок. 1500 г.) поступил на «Sotheby’s» из коллекции финансиста Джозефа Э. Сафры. Последний приобрел картину в 1993 году на лондонском аукционе «Christie’s» за 166 500 фунтов стерлингов. Нынешние торги установили новый рекорд цен за работы Бернардино де Конти.

Согласно каталогу «Sotheby’s», этот портрет отражает как влияние школы Леонардо, так и преобладающую эстетику ломбардского двора. Героиня изображена на темном фоне, подчеркивающем цвет ее лица и элегантное платье. Несмотря на почти гиперреалистическую детализацию и явную схожесть с реальным прототипом, в образе чувствуется такая же вневременность, как и в работах да Винчи.

Фото: © Sotheby’s.
Posted in Бизнес, Деньги, Живопись | Tagged , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Платье из камней

Сегодня в рубрике «Подиум» небольшой экскурс в историю концептуального искусства. В 1967 году итальянский художник Пьеро Джиларди (Piero Gilardi) представил свою коллекцию платьев из натуральных камней. Будучи одним из основателей движения «Arte Povera» («бедного искусства»), он призывал покупателей не гнаться за популярностью модных брендов, а вдохновляться природой и носить камни естественных цветов и оттенков. Тем более, что старые, вышедшие из моды камни всегда можно заменить на новые. С юмором был парень, ничего не скажешь…

На фото: Модный показ платья Пьеро Джиларди из камней. © Музей ван Аббе, Эйндховен, 2012 год.
Posted in Подиум | Tagged , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

Три образа Папы Иннокентия X

Папа Римский Иннокентий X (1574−1655) был жестким и волевым политиком, славился жутким кумовством, коррупцией и алчностью. Его самый известный портрет написал в 1650 году Диего Веласкес. На нем Папе уже семьдесят пять лет, но выглядит он явно моложе. Перед Веласкесом стояла непростая задача – не отступить от традиционных правил парадного портрета и выразить внутренний мир заказчика, как это когда-то сделал его любимый Тициан, изображая Папу Павла III. Образ Веласкеса получился очень психологичным. Взгляд властителя подозрителен и цепок, поза уверенна, на щеках румянец. Насыщенные оттенки красного в фоне, обивке трона, шапочке-камауро и накидке-моццетте контрастируют с белизной одежд. В правой руке Иннокентий X держит автограф художника в виде визитной карточки с посвящением. Говорят, что увидев работу, Папа воскликнул: «Слишком правдиво!» (итал. Troppo vero!). В награду художник получил массивную золотую нагрудную цепь с миниатюрным портретом понтифика в медальоне, украшенном самоцветами. С момента написания картина хранится в коллекции семьи Памфили в их римском палаццо на виа дель Корсо.

Однако личность политика отражалась в живописи современников и с отрицательной стороны. После того, как Иннокентий X заставил родственников предыдущего Римского Папы – семейство Барберини, искать убежища во Франции, изгнанники заказали полотно, в котором выразили всю свою ненависть к гонителю. Художник Гвидо Рени в композиции «Архангел Михаил, попирающий Сатану» (1635) придал лицу поверженного дьявола узнаваемые черты понтифика. Сейчас картина находится в римской церкви Санта-Мария-делла-Кончеционе.

«Портрет Папы Иннокентия X» (1954) Фрэнсиса Бэкона вдохновлен одноименным образом Веласкеса, которого Бэкон просто боготворил. Именно контрасты ярких красок заставили его признаться, что он «свихнулся на Папе». В течение пятидесятых − начала шестидесятых годов Бэкон написал около пятидесяти вариантов шедевра Веласкеса. Позднее эти работы получили широкое признание в качестве успешных современных интерпретаций классики изобразительного искусства. В версии Бэкона Папа показан кричащим, но его голос «заглушен» спускающимися драпировками и темными насыщенными цветами, придающими картинам гротескную и кошмарную атмосферу. Поскольку Бэкон называл себя атеистом и ницшеанцем, некоторые критики рассматривали серию как символические сцены казни, в которых художник стремился реализовать декларацию Ницше, что «Бог умер», убивая таким образом его представителя на Земле. Однако Фрэнсис Бэкон отрицал буквальные толкования его работ, утверждая, что на картинах изображен не Папа, а сам Веласкес, которого он стремился «победить». Точнее − так же, как Веласкес «охлаждал» Тициана, он сам стремился «охладить» Веласкеса…

Posted in Живопись | Tagged , , , , , , , , , , , , , , | Leave a comment