Акварель в наши дни переживает расцвет популярности. Она обладает богатыми возможностями в передаче тончайших цветовых нюансов, отличается мягкостью и прозрачностью колорита. К тому же, бумага и краски на водной основе вполне доступны как профессионалам, так и самому широкому кругу любителей живописи. Однако, кажущиеся простота и легкость, с которыми опытный художник создает работы в этой технике, обманчивы. Акварельная живопись требует безукоризненного умения «чувствовать» и наносить краску, виртуозного владения всеми приемами – от штриховки и широкой заливки «по-мокрому», до четкого мазка и работы в технике сухой кисти. Современные акварелисты, в большинстве своем, предпочитают работать по сырой бумаге в технике a la prima (в один прием), смело пользуясь заливками и оперируя стремительными мазками плоской кистью с последующей проработкой мелких деталей. Такая техника требует мастерства, сноровки и быстроты исполнения. Но наиболее сложной, с технической точки зрения, является классическая многослойная акварель, которая сегодня находится практически на грани забвения. Между тем, отличаясь силой тона, она по своим изобразительным возможностям во многом превосходит тяжеловесную и несколько прямолинейную живопись маслом.
В основе многослойной акварельной живописи лежит техника лессировочного письма, известного еще по произведениям голландских и фламандских художников XV-XVII веков. При лессировке важно соблюдать, чтобы нижний слой акварели оставался сухим, поскольку краски наносятся друг на друга поэтапно, прозрачными мазками. Таким образом, красочные слои не смешиваются, а работают на просвет, а цвет каждого живописного участка состоит из нескольких полупрозрачных слоев акварели. Конечно, при работе в лессировочной технике можно увидеть границы мазков, но обычно те настолько незаметны, что не портят живопись, а придают ей своеобразную фактуру. Основным достоинством такого способа письма является возможность создания реалистических картин, максимально точно воспроизводящих тот или иной фрагмент окружающей среды. Они если и напоминают отчасти масляную живопись, то компенсируют это сходство прозрачностью и звонкостью колорита. Лессировка незаменима в изображении нежнейших градаций перспективных планов, затененных интерьеров, предметов со множеством рефлексов, она хорошо передает мягкость светотени в спокойном рассеянном свете, то есть во всех тех случаях, где недопустимы корпусные приемы. При письме в многослойной технике художник относительно независим во временных рамках: ведь работу над картиной можно поделить на несколько сеансов, в зависимости от необходимости и желания автора. Это особенно важно при работе с крупноформатными изображениями, когда выполнять различные фрагменты будущей картины приходится поэтапно. Благодаря тому, что лессировка наносится по сухой бумаге, художнику удается лучше контролировать точность мазков, правильнее подбирать необходимый оттенок для каждого элемента в рисунке и получать нужное цветовое решение.
До нас дошли замечательные образцы многослойной акварельной живописи кисти А. Дюрера, П. Рубенса, Г. Гольбейна. Во второй половине XVIII века началось мощное развитие английской школы акварели, которая и по сей день считается наиболее выдающейся. Достаточно вспомнить такие имена как У. Тёрнер, Дж. С. Котмен, Р. Бонингтон, У. Кэллоу. В России в этой манере работали Карл и Александр Брюлловы, А. Иванов, И. Репин, В. Суриков, М. Врубель, А. Бенуа, М. Добужинский, К. Сомов, И. Билибин. К сожалению, в XX веке традиция многослойной акварели стала постепенно угасать. Причина отчасти в том, что многие новые краски, введенные в широкое употребление акварелистами середины века, оказались быстро выцветающими и весьма недолговечными. С другой стороны, при работе в этой технике очень важен и профессиональный уровень художника, ведь лессировка требует филигранного мастерства, большой концентрации, терпения и сосредоточенности художника. Исправить погрешности многослойной акварельной картины практически невозможно, и лишь немногие живописцы осмеливаются работать в этой сложной и кропотливой технике. В сегодняшней России наследие русской многослойной акварели пытается возродить известный художник и педагог Сергей Николаевич Андрияка, из творческих мастерских которого вышло немало талантливых акварелистов, профессионально работающих в этой непростой технике. Российская художница Ирина Витальевна Ломанова из их числа.
Ирина Ломанова родилась в 1962 году в городе Херсоне, с отличием окончила московский Центр подготовки художников-оформителей «Росмаркетинг» по специальности «художник-оформитель в рекламе» (1990 г.), работала искусствоведом в Художественном фонде СССР, закончила Государственную специализированную школу акварели Сергея Андрияки (преподаватель А. И. Каргина), участвовала в ряде выставок («Весенней выставке работ школы Сергея Андрияки», Манеж, 2011 г., «IV Международной выставке-конкурсе современного искусства «Классическая живопись. Натюрморты в классическом стиле», Санкт-Петербург, 2012 г., «Арт-Ростов 2014», Ростов-на-Дону). В настоящее время художница живет и работает в Подмосковье, поэтому тема природы средней полосы России для нее особенно близка и любима. Пейзажные мотивы Ирины Ломановой обычно неброски и гармоничны, их отличает сдержанная цветовая палитра, в которой преобладают жемчужно-серые, палевые и охристые оттенки. В этих акварелях чувствуется умение добиваться выразительности при помощи тонкой игры полутонов и грамотно выстроенной композиции («Зеленый холм», «Осенние краски», «Ветлы на Оке»). Художница старается избегать дешевой «картинности» и ярких эффектов, обычно отличающие художников, стремящихся понравится невзыскательному зрителю. Напротив, многие пейзажи Ирины проникнуты светлым поэтическим настроением, со слегка элегической ноткой.
Особое место в творчестве Ирины Ломановой занимают натюрморты. В этом жанре она написала множество акварелей, которые условно можно подразделить на несколько циклов: «цветочные букеты», «деревенский натюрморт», «жизнь игрушки». Стилистически художница придерживается традиций русской реалистической школы живописи, о чем более чем красноречиво свидетельствует даже выбор натуры для ее работ: краюхи простого домашнего хлеба, сушки и бублики, растения и ягоды, скомпонованные с предметами деревенского обихода. В ноябре 2013 года акварель Ирины Ломановой «Натюрморт с бубликом» украсила иллюстрированное издание «Традиции Ярославского Края. Дом и быт. Семейные 
обычаи». Книга была выпущена издательством «Медиарост» (г. Рыбинск), и богато иллюстрирована репродукциями таких знаменитых художников как В.Тропинин, В. Стожаров, А. Пластов, Б. Кустодиев, Ф. Сычков, К. Маковский, А. Венецианов, Н. Богданов-Бельский, А. Корзухин. Серия «Жизнь игрушки» вызывает особую теплоту у зрителя, поскольку обращается непосредственно к затаенным образам и воспоминаниям раннего детства. Чувства, вызываемые этими трогательными, зачастую лукавыми или смешными акварельными композициями из детских игрушек трудно передать словами. Достаточно упомянуть, что в апреле 2013 года Ирина Ломанова приняла активное участие в акции «Художники Москвы детям Костромы», подарив четыре акварели из этой серии Первомайскому детскому дому-интернату, а еще двадцатью работами художницы оформлен Центр Матери и Ребенка в Костроме.
Кстати, именно в этом городе состоялось уже две персональных выставки художницы (в сентябрь 2012 года на арт-площадке «Станция», и в марте-апреле 2014 года в Муниципальной художественной галерее города Костромы). Еще одна персональная выставка прошла во Владимире в «Центре пропаганды изобразительного искусства» с 21 февраля по 9 марта 2014 года. В настоящее время работы Ирины Ломановой находятся в собраниях Костромского Государственного историко-архитектурного и художественноого музея-заповедника, в Фонде Областного Центра пропаганды изобразительного искусства Департамента по культуре Владимирской области (г. Владимир), в частных коллекциях России и Чехии.
