Продолжаем следить за творчеством одного из самых остроумных представителей современного стрит-арта – художника из Испании, известного как Pejac. В конце прошлого года я уже писал о его стамбульских опусах, теперь наступил черед переместиться на дальневосточные просторы. Совсем недавно Pejac завешил свой азиатский тур, посетив Гонконг, Южную Корею и Японию. В Токио художник отметился четырьмя произведениями, обыгрывающими культурно-социальные особенности японского общества. Переосмыслив знаковые культурные образы Страны восходящего солнца, такие как бонсай, графику Кацусики Хокусая с его знаменитой волной цунами, суп из акульих плавников, и даже ритуал сэпукку, Pejac создал произведения, в которых чувствуется и дань традициям прошлого и критический взгляд на реалии настоящего. Хочу отметить, что несмотря на смелые и подчас вызывающие образы, свои росписи и инсталляции художник всегда выполняет с юмором, тактом и тонким поэтическим чувством.
На сolta.ru опубликованы воспоминания известного художника Павла Никонова о советской цензуре. Вот небольшая цитата:
«Если взять и оценить сделанное в годы существования жесточайшего контроля и сравнить с тем, что сейчас, когда все можно, то мы сталкиваемся с тем, что качество культурной продукции на порядок упало. Если иметь в виду и приписать к достоинству соцсистемы, например, Фалька, «Бубновый валет», супрематизм, цикл послевоенных работ — много было ерунды, но и качества было невероятно много. Это сейчас потеряно. То есть этот профессиональный контроль оказался тем, что было крайне необходимо для нас. Вседозволенность привела к тому, что возник ширпотреб в культуре, и он невольно привел к общему культурному падению. Кроме этого, существовала профессиональная цензура, всюду были советы, они контролировали, и абсолютная халтура не могла пройти. При контроле идейном существовал профессиональный, он создавал систему повышенной творческой ответственности. Мера ответственности существует у каждого, но когда возникает необходимость профессионального контроля, человек собирается. Представь себе: ты пишешь, а тебе надо эту работу показать Кончаловскому или Пластову. Сознания, что это как-то необходимо народному движению, стремления привлечь внимание широкой общественности не было у нас. Позиция утверждения других идеалов, чистой пластики, свободы широкой поддержки не получила бы. Валили валом на выставки именно из-за рекламы, которую сделал Хрущев. Не было бы этого — не было бы движения. С каждым годом интерес к выставкам возрастал. В конце концов идеологический пресс страшный сталинских времен привел к тому, что эта культурная продукция насильственно над творческим началом обратилась к сознанию того, что нужно разговаривать на одном языке со зрителем. Потеря зрителя, которая бурно происходила в 1920-е годы, была приостановлена. А сейчас опять восстанавливается вот эта связь зрителя и художника в ущерб творчеству. Но в те годы сближение происходило на принципах более творческих, чем сейчас. Сейчас рынок диктует, и художник подчиняется. Плох был сталинский абсолютизм, но культура, как ни странно, процветала. 1960-е годы — уже не расцвет. При Сталине она процветала, потому что XIX век все еще работал — и работал на эту систему. Была неразрывная связь. Весь авангард совершенно разорвал всякую возможность контакта со зрителем. А современная культура уже полностью зависит от зрителя. Из интервью с Табаковым: вы поставили Уайльда как-то агрессивно — а он цинично так: ну и что, а зато у нас аншлаг, а театр без аншлага — ничто. Значит, главное — захватить зрителя, можно идти на что угодно.
Мне кажется, мы придем к необходимости восстанавливать цензуру в какой-то форме. А к цензуре сразу примажутся циники, которые ею прикроются. Но цензура все-таки нужна. Скорее всего, морально-нравственная. Для нации есть вещи, необходимые для выживания».
12 июля 1917 года родился выдающийся американский художник-реалист Эндрю Ньюэлл Уайет (Andrew Newell Wyeth). Основная тема его живописных работ – провинциальный быт и природа северо-восточных областей Соединенных Штатов. Как правило, на его картинах изображены окрестности его родного города Чеддс-Форд (штат Пенсильвания) и города Кушинг (штат Мэн), где художник проживал летом. Работал Уайет преимущественно в технике темперы и акварели, придерживаясь приглушенной цветовой палитры, с преобладанием холодновато землистых оттенков. Стиль его живописи искусствоведы описывают по-разному, но, наверное, лучше всего охарактеризовать его как «мистический гиперреализм». Сегодня Э. Уайет считается одним из классиков американской живописи XX века.
«Я очень много думаю и грежу о прошлых и будущих вещах – вечности скал и холмов – всех тех людях, которые здесь жили. Я предпочитаю зиму и осень, когда в пейзаже ощущается его костный остов – его одиночество – мертвое чувство зимы. Что-то затаилось внизу, что-то остается скрытым. Я думаю, что люди всегда находят печальными картины, которые созерцательны и молчаливы, которые представляют человека в одиночестве. Неужели причина в том, что мы утратили искусство быть одинокими?». Эндрю Уайет (1917-2009) Continue reading
На прошедшем в Париже шоу высокой моды, новую коллекцию осень/зима 2015 продемонстрировали голландские дизайнеры Виктор Хорстинг (Viktor Horsting) и Рольф Снурен (Rolf Snoeren), представляющие модный дом Viktor & Rolf. Художники подошли к своей коллекции «Wearable Art» («Носимое искусство») с размахом настоящих авангардистов, использовав в качестве средства выражения синтез моды и классической живописи в стиле барокко. Изначально, живописные репродукции, оформленные в дорогой багет, украшали костюмы девушек-моделей, но с появлением на сцене двух модельеров, мгновенно изменили свое предназначение. Виктор и Рольф прямо во время показа сняли «картины» с манекенщиц и трансформировали их в часть декоративного украшения сцены. Естественно, каждая «картина» была изначально подготовлена к действу c помощью ловкой техники лазерной нарезки жаккардовой ткани, использования каркасов, вышивок и аппликаций. Таким образом, манекенщицы легко превращалась в движущиеся произведения живописи, а завышенные силуэты платьев, с их угловатыми деталями, напоминали сюрреалистические архитектурные фантазии. Подробнее с перформансом «Wearable Art» вы можете познакомиться здесь, или здесь.
С 4 июля по 7 сентября 2015 года, в помещении Вашингтонского Национального музея строительства демонстрируется грандиозная интерактивная инсталляция «The Beach» («Пляж»), созданная усилиями бруклинской дизайн-студии Snarkitecture. Название студии образовано из двух слов: «Снарк» и «архитектура», что трактуется учредителями не иначе, как экспериментальная практика, действующая на стыке между искусством и архитектурой. (К сведению: Snark – это вымышленное существо из поэмы Льюиса Кэрролла «Охота на Снарка». Имя персонажа «склеено» из двух английских слов «snake» – змея и «shark» – акула). По словам идейных вдохновителей Snarkitecture – Алекса Мустонена (Alex Mustonen) и Даниэля Аршама (Daniel Arsham), творческая задача студии состоит в том, чтобы заинтересовать и впечатлить зрителей, погружая их в пространство, полное удивительных событий, позволяющих им вступить в непосредственный контакт с окружающей средой.
Инсталляция «Пляж» расположена на площади более 929 квадратных метров, и представляет собой белое монохромное пространство, заполненное почти миллионом полупрозрачных пластиковых шариков, имитирующих океанские волны. Любой посетитель может побарахтаться в этой ослепительной пучине, или отдохнуть на удобных пляжных шезлонгах под белооснежными пластиковыми зонтиками. Сайт студии: www.snarkitecture.com. Все фото: © Noah Kalina (2015).
Французский уличный художник oakoak продолжает развлекать горожан Сент-Этьена своими шуточными работами…
Ниже я собрал двадцать пять моих самых любимых произведений Марка Шагала, относящихся к его раннему периоду творчества. Подборка включает живописные работы, написанные художником в России с 1909 по 1918 годы, исключая то, что было создано им во время первого пребывания во Франции (с 1910 по 1914 годы). Конечно, здесь в большей мере преобладает лирическая тема, но на мой взгляд, именно любовь и поэтика – основные направляющие всего творчества художника. По-другому сказал в свое время Андрей Вознесенский: «Небо, полет – главное состояние кисти Шагала».
Своеобразный вариант боди-арта практикует художник и преподаватель из Калифорнии Рассел Пауэлл (Russell Powell). Его творческий метод состоит из двух этапов. Сначала Рассел рисует на ладони своей левой руки монохромный реалистический портрет, а затем, пока краска еще остается свежей, оттискивает изображение на бумаге. Этот процесс художник называет «ручной штамповкой», позволяющей не только сохранить четкость каждого отпечатка, но и украсить его фактурными узорами папиллярных линий.
